Assim como fez depois da primeira temporada em 2010, a produtora Brainstorm Digital mostra novamente os bastidores dos efeitos digitais da série “Boardwalk Empire” da HBO.

O vídeo dessa vez destaca momentos da segunda temporada, revelando principalmente o trabalho de reconstrução de época. Haja tela verde e azul.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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NOVA ORLEANS – O imaginário popular é um dos maiores formadores de opinião da nossa espécie. Mais forte que celebridades, mais efetivo que o maior dos especialistas; ele simplesmente existe e, na maioria dos casos, é inabalável e extremamente longevo, por ser um conglomerado de conceitos, ideias, histórias, mitos, fofocas e rumores sobre determinado lugar, pratica ou pessoas.

Um dos melhores exemplos é Nova Orleans, uma cidade repleta de histórias envolvendo magia negra, as origens da “verdadeira música norte-americana”, dos extremos sociais e de sua natureza guerreira – basta andar pelas ruas estreitas, falar com os músicos ambulantes ou simplesmente olhar para a Jackson Square de noite para sentir tudo isso. Pelo menos foi assim até 2005, quando o furacão Katrina devastou a região e inseriu novos elementos de terror e desespero à mitologia local. A realidade e o mítico se confundiram demais e, de certa forma, alguém precisava trazer ordem ao caos e registrar o levante da Big Easy; foi o gancho perfeito para David Simon e Eric Overmeyer, os criadores de “The Wire”, mergulharem em “Treme”, uma das principais séries da grade da HBO.

Sempre me perguntei qual era o diferencial técnico da HBO, bom, aí está: um set de cinema para um programa de TV.

Na noite anterior ao longo café da manha – uma mistura maluca de invasão de sabores e discussões políticas e criativas – que teria com David Simon no centro de Nova Orleans, fui passear pela cidade. O lugar é alucinante. Começando pela vista magnífica do hotel na curva do largo rio Mississipi, onde navios de transporte manobravam vagarosamente rumo ao porto mais próximo. Boa comida convive lado a lado com muitos bares, prostituição, gente de todos os cantos e, claro, muita musica. Por sorte, a visita ocorreu no comecinho do Jazz Fest e o movimento era garantido. O senso histórico é imenso, com algumas ruas de paralelepípedos – coisa que nunca tinha visto nos Estados Unidos –, construções antiquíssimas e aquele clima de “vai acontecer alguma coisa”. Talvez seja culpa da Anne Rice ou do filme “Lafite – O Corsário”, com Yul Brynner e Charlton Heston; arquitetonicamente falando, pensei no Pelourinho sem o show de cores. Treme é o nome de um dos bairros centrais da cidade, uma área não recomendada para turistas depois que o Sol se põe.

Falar tudo isso sobre a cidade é fundamental, pois “Treme” engloba todos esses elementos em sua narrativa. São histórias fictícias por natureza – “não somos documentaristas”, como define David Simon –, entretanto aglomeram inúmeros acontecimentos e personas reais. Cada personagem da série funciona como um catalisador para os diversos efeitos do Katrina, seja ele um escritor indignado, um dos chefes indígenas (que de índio não tem nada… será?), os inúmeros músicos e suas famílias, donos de lojas e restaurantes, policiais e todos os “novatos” atraídos pela perspectiva da reconstrução.

“Seguir acontecimentos históricos funciona bem com base, seguir acontecimentos individuais reais pode causar mais problemas do que gerar soluções”, explica Simon.

“Isso é função do jornalismo, não de uma série de TV. Egos são facilmente feridos nesse tipo de situação e tudo que não queremos é ver gente contrapondo cada momento de determinado personagem em cena. Não é o objetivo”.

Efetivamente, trata-se de um drama com função de registro histórico, afinal, por mais inventado que tudo possa parecer, a produção de Treme precisa representar Nova Orleans de forma responsável, afinal, boa parte da equipe e elenco fazem parte da comunidade.

E é aí que a simplicidade entra em cena. O elenco é liderado por Wendell Pierce – que conseguiu sair da cidade, com sua família, pouco antes do rompimento dos diques de contenção no Katrina –, e diversos outros atores também foram selecionados localmente. Com raríssimas exceções, a série é filmada em locações autênticas, injetando dinheiro na economia local e fazendo com que as pessoas participem do processo de produção.

“Acho que somos uma das últimas séries a filmar em película e gravar som ao vivo”, brinca Eric Overmeyer, figura sempre presente nos sets e a primeira linha do controle de qualidade da dupla. “Muita gente defende a mentalidade da ‘melhoria ou solução de problemas na pós-produção’, não concordo com isso. Se podemos fazer no set e em câmera, vamos fazer. Parece que estou enganando o público e o único faz de conta que aceitamos está no aspecto fictício das histórias que contamos, o resto tem que ser real”.

Com a preparação ideal e boa comunicação entre a equipe, muitos efeitos práticos reduzem custos de produção, aumentam a efetividade e permitem a Overmeyer e Simon transmitir a sensação de imersão que tanto almejam. Especialmente no aspecto musical.

Nova Orleans é o maior personagem da série e afeta todos os envolvidos. Essa foi uma decisão criativa das mais importantes.

Pude acompanhar as filmagens de um show da banda de Antoine Batiste (Wendell Pierce) num dos muitos pequenos palcos espalhados pelos subúrbios de Nova Orleans. A produção precisou de poucos props e os instrumentos da banda para encontrar o ambiente desejado, afinal, muita decoração já estava presente. Uma mesa de bilhar na sala que separava o bar da área de shows, pôsteres de celebridades locais e tiras de papel laminado davam conta do recado e toda a parafernália técnica (monitores, mesa de som, controle de luz e etc) ficava escondida no limite da área que seria filmada. Basicamente, a cena começava num show no palco, os personagens discutiam sobre escolhas artísticas em meio à canção e um deles saia de lá mandando todo mundo às favas, e uma terceira câmera – uma steady cam – seguiria a atriz através do bar.

Mesmo com uma porção musical relativamente pequena, todo o som estava armado como se trata-se de um grande show. E, para resolver o problema de atores interpretando músicos, como no caso de Rob Brown, a produção esconde os verdadeiros músicos perto dos atores para que os movimentos o som venha da mesma região do palco e, em certos casos, os movimentos do interprete possam ser simulados pelo músico e tudo soe o mais real possível.

Sempre me perguntei qual era o diferencial técnico da HBO, bom, aí está: um set de cinema para um programa de TV. Isso sempre foi claro, mas, finalmente, pude ver a coisa acontecer em primeira mão. Essa é uma das razões pelas quais a TV a cabo disparou tanto em qualidade, afinal, maior investimento nesse formato – “Roma”, “Spartacus”, “Sons of Anarchy”, “The Wire”, “Band of Brothers”, “Game of Thrones” e tantas outras – faz a diferença.

Séries semanais dos canais abertos podem até compartilhar alguns desses princípios, porém, por sua natureza enlatada, ABC, NBC, CBS e etc ainda insistem nas filmagens em estúdios em Los Angeles. Poder controlar tudo é uma vantagem, claro, mas sabemos que a casa de Castle é de mentira e que o cenário de “The Mentalist” é todo construído dentro da Warner. Há exceções, claro. “Supernatural” é uma delas e a alucinante “Southland” também, mas são casos diferentes e também pelo fato de estúdio não comportar seus objetos de estudo.

A possibilidade de filmagem em locação é algo fantástico e, claro, depende do orçamento, mas, no caso de “Treme”, é fundamental. Afinal, a cidade é o maior personagem da série e afeta todos os envolvidos. Essa foi uma decisão criativa das mais importantes, pois afetou roteiro, investimento em pré-produção e reduziu o tempo em pós, mas, acima de tudo, garantiu o envolvimento local.

“Nossa responsabilidade é com a história, porém seus rumos não podem nos tirar de Nova Orleans ou se distanciar da essência de quem vive aqui. Trouxemos investimento para cá depois do furacão e nosso respeito e paixão pela música é gigantesco, é quase uma questão de princípios manter quase tudo centralizado aqui na região”, concordam Simon e Overmeyer. Em termos de gastos com elenco, a série tem uma vantagem, pois os atores residentes normalmente são de fácil acesso enquanto os “importados” sempre tem incentivos extras para visitar a região. “É fácil fazer certas coisas quando todo mundo gosta de passar uns dias por aqui”, Overmeyer.

“Aqui é tudo muito simples, em termos da estrutura básica de filmagem”, explica Overmeyer. “Odeio essas comparações de qual é o melhor show, qual o melhor elenco, qual o melhor isso e aquilo. Simon não tem paciência para essas bobagens e eu não perco tempo. Cada programa tem seu público e seu estilo, todos podem ser bons a seu modo; claro que existe muita porcaria por aí e quem faz sabe que está nivelando por baixo. Vou dizer que somos melhores por gravarmos som ao vivo ou por filmarmos em película? Não. Foi uma escolha criativa. Como produtores, nossa função é garantir a qualidade do que fazemos e dar a impressão de que gastamos muito mais do que efetivamente investimos.”

Claro, quando se mistura criatividade de produção com tranquilidade financeira e a HBO garantindo exibição, é mais fácil fazer certas apostas, afinal de contas, no caso de falha, sempre há verba para correr atrás do prejuízo.

O resultado de tudo isso é um drama fantástico, alavancado pela interpretação apaixonada de John Goodman, um dos filhos mais ilustres da Big Easy, na primeira temporada, e agora segue firme com o Melissa Leo, Clark Peters e Wendell Pierce. Visualmente, “Treme” aposta num visual mais bruto e valoriza os contrastes de Nova Orleans, sejam eles as cores de seus moradores, os zeros em suas contas bancárias ou suas preferências musicais. É um verdadeiro caldeirão cultural e há muito mais que o famoso gumbo a ser apreciado, afinal, como John Boutte diz an música tema do seriado:

“Down in the Treme / We’re all going crazy”.

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Um vídeo que mostra diversos exemplos de chroma key nas séries de TV fez sucesso por aqui no começo do ano passado. Uma pequena amostra de como a televisão nos “engana”.

Mas pense: faz muito tempo que não apenas de chroma key é que vivem os efeitos especiais, então imagine quando você coloca no caldo um monte de computação gráfica, filtros, truques de estúdio e etc para criar algo como “Game Of Thrones”.

O vídeo abaixo mostra o impressionante trabalho realizado pelo estúdio BlueBolt na série mais legal desse ano. Tem spoilers, então se você não assistiu ainda, desencana no vídeo.

Vale rever também um outro exemplo que publicamos no ano passado: Os efeitos de “Boardwalk Empire”, também da HBO. Ali, a Brainstorm Digital teve um trabalho ainda mais complicado de estudo de arquitetura e época, já que a trama se passa nas décadas de 1920 e 1940.

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ATENÇÃO: Não contarei spoilers no texto. Por favor, não contem nos comentários. Se você também já viu a série, não deixe escapar algo para quem ainda não acompanha, combinado?

É fácil responder a pergunta do título. Porque é foda.

“Game of Thrones” é sem dúvida mais uma série arrebatadora da HBO. Uma série feita com perfeccionismo, que mostra quanto valeu a experiência adquirida no cuidado estético em Roma ou na importância sonora (em trilhas e source music) em The Sopranos. O roteiro é adaptado a partir da obra As Crônicas de Gelo & Fogo do escritor americano George R. R. Martin (considerado por alguns o Tolkien da nossa geração). São 7 livros:

A Game of Thrones – Lançado em agosto de 1996.
A Clash of Kings – Lançado em novembro de 1998.
A Storm of Swords - Lançado em agosto de 2000.
A Feast for Crows - Lançado em outubro de 2005.
A Dance with Dragons - Anunciado para julho de 2011.
The Winds of Winter – Sem previsão.
A Dream of Spring - Sem previsão.
(aqui no Tupiniquim é possível encontrar os dois primeiros livros da série)

Embora eu discorde dessa comparação George R. R. Martin & J. R. R. Tolkien (Senhor dos Anéis é INCRÍVEL, mas sem a violência e crueldade de Game of Thrones), concordo com uma coisa: se você ainda não começou a assistir, aproveite que ainda estamos na primeira temporada e comece. E não falo isso só pela história, mas pela direção de arte.

Encontrei um curto vídeo do responsável pela direção de arte, Paul Inglis (responsável também por Filhos da Esperança e Quantum of Solace) contando um pouco mais sobre as diferentes regiões de Westeros: O “mundo” da série.

E se você ainda não viu absolutamente NADA sobre a série, chora no trailer:

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Bora lá. Vamos ignorar o fato de que apenas no Brasil uma mesma empresa programa, produz e distribui canais a cabo, num esquema de semi-monopólio arrojado e declarado. Sim, eu tô falando da turma NET/Globo.

Bom, como disse, vamos ignorar.

Outro fato é que comprei o pacote Total HD Max, da NET. Daí, você deduz que todos os canais estarão disponíveis. Total é tudo, certo? Errado. Não tem os da linha Telecine (eu passo), HBO nem os Max (daí, mais uma ironia no nome do pacote). Tá, eu devia ter desconfiado e me informado melhor.

Enfim, vamos ignorar também este parágrafo.

O foco aqui é outro tema, que tem a ver com as coisas que falei acima. Você já viu os executivos da NET falando? Tem sempre um lero sobre o estímulo que exercem à produção nacional, até como forma de tentar justificar o lobby contra a nova regulamentação da TV paga tal qual vem sendo proposta, com percentual fixo de programação criada e feita no Brasil.

Mas eu tenho certa dificuldade em acreditar nesse lero.

Existem canais como Management TV, no ar desde 2007, que tem produção parcialmente nacional e programação de negócios e comunicação bacana e exclusiva, e Chef TV, que debutou esse ano, que eu particularmente acho bem legal, criativo e, pô, os programas de culinária são bem mais didáticos, apaixonados, brasileiros, sem ingleses engraçadinhos fazendo coisas com curry como se esse fosse o condimento mais irado do mundo e menos anamariabragueanos que os do GNT.

E esses canais, a despeito do discuro da NET, não constam em sua programação.

Uma dúvida que tenho: qual o critério dela, a supracitada NET, com o perdão da repetição nominal, para o fomento da produção televisiva nacional?

Enquanto você pensa, e esperamos a resposta, saliva aí com a receita de frango grelhado com arroz basmati crocante com molho de melão e maracujá.

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Sets de filmagem são caóticos e, na maioria das vezes, incompletos. Apenas o cantinho do cenário é construído e o resto entra via computador ou simplesmente não existe, pois a história vai continuar noutro lugar. É tudo parte da ilusão. Na TV a coisa é um pouco diferente e, quando se trata de uma série de sucesso, aquele conceito de portal do primeiro “Diablo” se torna real demais, pois basta abrir uma porta para cortar o espaço-tempo e viver realidades alternativas ou outras eras.

Foi exatamente assim que me senti quando deixei para trás o centrão de Los Angeles, cruzei uma porta e, de repente, estava no saguão principal da Sterling Cooper, agência de publicidade fictícia do seriado “Mad Men”, exibido no Brasil pela HBO, cujas 6ª e 7ª temporadas acabaram de ser confirmadas. Chamar aquilo de cenário é uma ofensa, acredite! O Brainstorm9 destrinchou a produção e, claro, entrevistou o criador da brincadeira, Matthew Weiner!

Exceto pela iluminação e as vistas externas, que simulam os arranha-céus da Madson Avenue, em Nova Iorque, o set de “Mad Men” é, de fato, uma recriação. Tudo é real. Revistas antigas espalhadas pelas mesas de espera, telefones e máquinas de escrever funcionais, cinzeiros, latas de lixo, livros e até uma relíquia: uma das primeiras copiadoras da Xerox. A única, feliz, exceção é a ausência do cheiro de cigarro.

“Minha filosofia com a equipe é: não vou fazer o trabalho de produção por não saber fazer, mas tenha a certeza de que serei o melhor espectador de todos, pois estou de olho em cada detalhe”, conta Matthew Weiner, criador de “Mad Men”, que, depois de períodos conturbados e muitas idas e vindas, volta a ser o todo poderoso do programa nas próximas temporadas.

“Se não conseguirmos fazer os interiores serem tão interessantes quanto uma rua cheia de carros antigos, estamos no caminho errado. Por isso temos tantos detalhes, afinal, estamos falando de uma época sinônimo de auge de design. Generalizar ou exagerar pode tirar a aura especial e você se vê dentro de uma sala cheia de coisas de época, mas sem o ambiente correto”.

Muito da tecnologia inventada nas três décadas anteriores, e parte das evoluções causadas pela Segunda Guerra Mundial, começavam a ser acessíveis ao público, que aumentava sua renda de forma acelerada, logo, mesmo quem vivia de doações ou itens achados na rua conseguia mobiliar uma casa sem problemas, como é o caso da personagem Peggy, no início da série. Curiosamente, o piloto foi filmado num galpão que foi destruído 24 horas depois do término das filmagens.

Todo esse trabalho tem um objetivo: retratar não somente a era de ouro da publicidade, mas os homens que a dominavam e as mulheres que rodeavam tanto os sujeitos quanto, em alguns casos, a perspectiva de sucesso profissional. “Aquele período foi marcado por fortes mudanças, mais efetivas do que as da última década moderna. Ok, tivemos 11 de Setembro e várias guerras, mas qual a real diferença entre 2010 e 2005? Quase nenhuma. A década de 50 promoveu mudanças drásticas e sensíveis”, explica Weiner, um apaixonado pelo período.

“Quero compreender o comportamento daquelas pessoas e entender a era em que meus pais e avós viveram e cresceram. Sou parte da tal slacker generation, nunca entendi o significado, mas acho que quer dizer que não tinha trabalho quando saí da faculdade”, brinca.

“’Mad Men’ é um modo que encontrei para utilizar ironia para contar histórias pessoais e, efetivamente, ver esse mundo se modificar diante de nossos olhos, por isso guardo tanto segredo. Sabemos como é o mundo hoje, mas quantas pessoas sabem os momentos exatos em que as modificações sociais realmente aconteceram? É como dizer que Versos Satânicos causou alvoroço e modificou a mente das pessoas daqui uns 20 anos. Bem, eu vivi o período e posso te garantir que quase ninguém leu o livro inteiro. Não é uma crítica ao Salman Rushdie; apenas uma constatação social. Já se viu alguém da classe média se vestir como as modelos da Vogue? É por aí”.

Esse trajeto social proposto por Weiner, indiscutivelmente um estudioso do assunto, passa obrigatoriamente pela evolução feminina. Em princípio submissas e prontas para o “teste do sofá” como alavanca social e profissional, sua função muda drasticamente, seja com a intrépida Peggy (Elisabeth Moss) ou a atormentada Betty Draper (January Jones). “Isso mudou bastante, hoje as mulheres comandam corporações e tem cargos políticos fundamentais, mas nem é um exemplo pequeno, se olharmos o quadro geral. Tenho toda a confiança do mundo para dizer que ainda existem pouquíssimos negros na propaganda não direcionada”, analisa Weiner.

É uma complicada equação de oportunidade social com mudança efetiva, vista nos corredores da Sterling Cooper e na civilização que a circunda. Seus criadores podem fazer o que bem entendem, afinal – naquele tempo, se a propaganda e a mensagem foi transmitida e o cliente ficou feliz, todo mundo ganhava. Basta ver o episódio em que Don Draper (John Hamm) precisa bolar uma nova estratégia para uma companhia de cigarros: “o governo definiu o que não podemos dizer, então podemos dizer qualquer coisa fora daquela lista!”.

Weiner garante nunca ter pensado na similaridade entre o momento de auge de “Mad Men” e a eleição de Barack Obama. “Foi sem querer! Não fazia idéia que viveríamos uma transição como essa e fiquei desesperado quando Obama foi eleito, afinal, sobraria ironia no mundo para que eu continuasse meu trabalho”, descontrai gargalhando.

Suas motivações são maiores, às vezes viajantes, mas sempre embasada na necessidade da dissecação do americano pós-guerra. Draper é o sujeito ideal, assim como as campanhas que cria e vende. Mas tudo tem um preço, seja ele mental ou físico. “Descobrirmos que podíamos ter tudo nesse novo cenário, as perdas apareceram tardiamente e, na maioria dos casos, de forma bombástica”.

O espectador se vê diante de um drama acessível, mesmo que situado na década de 50. É possível sentir o estado de espírito de Draper pelo simples fato de entrar em sua sala, depois de passar pelo interminável hall das secretárias. Nada ali é puramente cenário e a construção respeita as dimensões de um escritório real, com salas levemente maiores para acomodar melhor as grandes câmeras, entretanto, todas totalmente construídas.

É um mundo arquitetado para existir paralelamente ao universo dos smartphones e hipercomunicação. Um reflexo das demandas sociais dentro das regras do entretenimento, assim como foi a fenomenal “Battlestar Galactica”. “Sempre pensei na série como ficção científica, mas os especialistas no assunto cansaram de me dizer que não tinha nada a ver e mostravam como eu ‘desconhecia’ os conceitos do gênero”, conta.

“Fundamentalmente, vejo o programa como uma ferramenta que me permite contar histórias. Deixo de lado toda a necessidade de uma moral no final do episódio, conto coisas relacionadas à minha vida, dos meus roteiristas, dos meus amigos e de qualquer um de quem possa pegar idéias”, brinca.

Uma dessas histórias reflete tanto a natureza cíclica do ser humano defendida por Weiner – “pessoas não mudam; a lei pode erradicar comportamentos inapropriados, mas todos são reflexos da sociedade em que foram criados”- quanto o atual modelo financeiro dos Estados Unidos: a influência internacional nos negócios do país.

Na terceira temporada de “Mad Men”, Weiner inseriu um arco envolvendo a aquisição da agência por uma companhia britânica. “Seguimos a tendência do mercado publicitário de investir em fusões corporativas e percebemos a repetição de um comportamento do início do século 18, quando procurávamos a Europa, China e Japão para o mesmo fim”, explica.

“Os europeus sempre olham para os Estados Unidos em busca de energia criativa e, nos anos 50, éramos ideais para isso, pois havíamos aperfeiçoado o consumismo e, ao mesmo tempo, demonstramos uma insegurança absurda. Herman Melville debatia o assunto e Emerson era obcecado por essa relação entre Inglaterra e América. Vemos ingleses chegando nos Estados Unidos e construindo jornais e empresas de mídia, mas o contrário não existe. A não ser que o americano compre algo já estabelecido na Inglaterra! Eles precisam da gente e, por alguma razão, ainda precisamos nos provar para eles”.

Enquanto os Estados Unidos superam traumas de infância na propaganda, os personagens de “Mad Men” têm seus próprios códigos de ética e estilo. Eles determinam as regras daquele mundo e se comunicam por suas roupas e atitudes. Todos se comportam de forma artística e a simples escolha de vestuário retrata sua postura e expectativas.

“Pete Campbell, por exemplo, começa como um riquinho mais novo que os demais publicitários, então suas roupas são mais arrojadas, tem quatro ternos e ele não usa um chapéu. Caí de costas quando percebi que estamos comunicando muita coisa por essas escolhas e era algo muito além do conceito de ‘tenho um monte de roupas de época e vou vestir os atores’”, conta Weiner.

Suas surpresas não pararam por aí, pois quando teve a oportunidade de escrever episódios com integração de marcas, não perdeu tempo e agarrou a oportunidade com tudo. Pelas regras norte-americanas, é possível mencionar o nome de qualquer marca num produto de entretenimento, porém, exibir produtos e logotipos é outra história. Em termos de roteiro, faz muita diferença “pedir uma Coca” de “pedir um refrigerante”.

“Mad Men” cruzou as barreiras ao incorporar a marca Heineken de forma bastante incisiva e dramática, avançando a trama. “Fiquei muito orgulhoso do modo como inseri isso programa”, diz o criador, que sempre teve fixação pela idéia de transmitir essa realidade de referências, mesmo que apenas com marcas fora do mercado e desprotegidas por leis de copyright.

“Em vez de parar a trama e dizer ‘olha, agora temos um comercial’, fiz com que Don se envolvesse tanto com a campanha que isso teria conseqüências em sua vida real, prejudicando seu casamento e, sem ele notar, insultar sua esposa de maneira absurda”

Cuidado extremo, respeito pelo público e um comprometimento gigantesco com uma era que não só definiu as bases da publicidade moderna como, de fato, moldou uma nação. Isso é “Mad Men”. Se você nunca assistiu e se perguntava por que a série ganhou tantos Emmys, eis a resposta.

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Aproveitando a onda dos popup trucks, caminhões ambulantes que vendem comida por NYC e anunciam pelo Twitter em que endereço vão parar por alguns minutos, a HBO vai fazer uma ação para divulgar sua nova série “Game of Thrones” servindo comida “típica medieval” para o público, preparadas pelo chef-celebridade Tom Colicchio.

Tem coelho e pato assado, cerdo, frutos do mar exóticos e outros pratos para um banquete digno de um rei. (trocadilho obrigatório, desculpe)

A série estréia dia 17 de abril na HBO americana, iTunes e… por aí.

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Indicada ao Globo de Ouro, a série “Boardwalk Empire” teve sua primeira temporada encerrada em dezembro passado, e já tem o segundo ano garantido em 2011.

Martin Scorsese é o produtor, mas dirigiu também o primeiro episódio, considerado o piloto mais caro da história da TV. O recorde anterior era da excelente “Roma”, também da HBO.

Um exemplo desse investimento está na reconstrução de época – a série se passa nas décadas de 1920 e 1930 – e nos efeitos especiais a cargo da Brainstorm Digital. A produtora reuniu no vídeo abaixo alguns dos destaques desse trabalho.

Ao mesmo tempo que impressiona, faz você pensar o quanto é “enganado” pela televisão. O lado bom é que enquanto o roteiro continuar entretendo e fascinando, não seremos nem capazes de lembrar desses detalhes técnicos.

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Escrito e dirigido pelo duo Contraband (Liam O’Neil e Jason Koburov), as noites de boxe da HBO ganharam esse promo que é praticamente um curta-metragem.

Chamado “I Still Have a Soul”, é o clássico conto do cara que sai do nada, se dedica, e vai tentar virar uma estrela do esporte. Dedicação e superação, aqui mostradas sem um único diálogo.

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Depois dos acordos com Pepsi, Intel e Metro News, as grandes marcas continuam chegando ao Foursquare. Dessa vez, exemplos que envolvem gigantes do entretenimento e que começam a experimentar as possibilidades da ferramenta.

A HBO criou dicas e badges para a sua série “How to Make it in America”, assim como a Warner Bros. para o filme “Valentine’s Day” (“Idas e Vindas do Amor”, aqui no Brasil).

No primeiro caso, são atividades que envolvem cultura, gastronomia e vida noturna em Nova York, e já para “Valentine’s Day”, são os lugares e programas mais românticos em cinco cidades: Nova York, San Francisco, Chicago, Los Angeles e Boston

Além da integração de marca, o próprio Foursquare e seus clientes estão tentando definir quais são as métricas que realmente interessam nesse tipo de ação. É um mundo sem CPMs e sem pageviews, já que o objetivo é engajar as pessoas, tirá-las de casa e ligar o conteúdo online e/ou da TV com o mundo real.

Outra questão, é tornar mais tangíveis as recompensas por participar dessas ações. Muitos fãs do Foursquare fazem de tudo por um nova badge, mas como convencer novos usuários de que um selinho virtual é o suficiente? Cupons, descontos, ingressos e brindes já estão nos planos.

Porém, o mais importante, é que como diz Allison Mooney no DigitalNext da AdAge, o Foursquare é uma plataforma jovem, e ao contrário da fase experimental da maioria das startups, está conseguindo atrair os dólares de companhias dispostas a investir na brincadeira. E que está ficando cada vez mais séria.

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Depois da premiada “Voyeur”, vencedora de dois Grand Prix em Cannes Lions no ano passado, a HBO vai iniciar na quinta-feira, 17 de setembro, sua nova campanha integrada institucional.

Mais uma vez criada pela BBDO, a iniciativa “Imagine” inclui um evento em Nova York e o site HBOImagine.com. Assim como foi em “Voyeur”, trata-se de uma narrativa dividida em várias partes, 37, para ser mais preciso.

O comercial “Imagine” publicado aqui no Brainstorm #9 na semana passada, é na verdade um trailer para essa experiência interativa. A HBO quer se posicionar como uma grande contadora de histórias, um extrato da cultura pop que não se pode perder.

Tudo estará disponível online, mas um cubo instalado no Meatpacking District, em NY, irá mostrar quatro pedaços dessa história. Depois de três dias, o cubo parte para Washington e Filadélfia. No site-teaser que está no ar no momento, os quatro filmes da instalação já podem ser assistidos. A experiência completa, só na quinta-feira.

A produção interativa é da The Barbarian Group, e dos filmes da Biscuit Filmworks.

| Via AdAge

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Já que falei de ponto de vista no post anterior, a HBO mostra em seu novo comercial como uma simples mudança de perspectiva pode alterar tudo o que você pensa.

A campanha institucional pretende mostrar a HBO como “mais do que você imagina”. A criação é da BBDO de Nova York, com produção hollywoodiana da Biscuit Filmworks.

| Via Creativity

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A campanha para divulgar o lançamento da série é centrada na internet, com sites, blogs, fóruns e até lojas em torno do universo da produção. Em “True Blood”, vampiros convivem com humanos em uma pequena cidade, bebendo sangue sintético fabricado no Japão.

No blog BloodCopy, posts e vídeos contam como é o dia a dia desses vampiros e suas relações com os humanos, com direito a perfil no MySpace, Facebook, canal no YouTube e até Skype.

Já o site oficial da bebida dos vampiros, a Tru Blood, mostra toda a linha de produtos: com sangue tipo O, A, B e AB. Traz inclusive um comercial da bebida, naquele estilo clichê que publicitário adora.

Mas a parte mais divertida fica por conta do Lovebitten.net, o “melhor site de encontros humano/vampiro”. Qualquer pessoa/vampiro pode criar um perfil, respondendo um questionário e definindo suas preferências em busca do amor eterno.

Até setembro, a Campfire, agência responsável pela campanha, pretende continuar criando conteúdo e colocar mais sites fakes no ar, incluindo uma HQ da série.

É claro que com apenas um dos olhos funcionando qualquer pessoa (é o que prefiro imaginar) consegue sacar a brincadeira, até porque a HBO não esconde que está por trás disso, tudo está linkado inclusive no site oficial da série. Mas no Reino Unido, essas ações poderiam ser consideradas crimes contra o consumidor.

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No mês passado você conheceu o projeto nesse post, mas agora trago aqui o vídeo-case da BBDO NY, inscrito no festival. Vale a pena assistir para conferir cada detalhe de uma ação que primou pela integração.

A agência divulgou os resultados com aumento de percepção de marca HBO, sem o link com nenhum programa específico. Foram mais de 3200 pessoas presentes no evento em Manhattan, mais de 1 milhão de visitantes no site nas primeiras 3 semanas, e mais de 500 menções da campanha em blogs.

Parece difícil, mas a expectativa é que “HBO Voyeur” leve ainda mais prêmios, com grandes chances em Titanium.

O Brasil ficou com dois Leões de Prata e três de Bronze na categoria. São eles:

Silver Lions: 1. AlmapBBDO para Pepsico (Gatorade) com as peças Running, Boxing e Basketball, 2. Almap BBDO para Volkswagen (VW Trucks) com as peças Beer Box, Egg Box, Fruit Box e Milk Box

Bronze Lions: 1. Fischer America para Panasonic (Lumix Camera) com as peças Ballerina e Basketball, 2. Santa Clara para Fox (National Geographic Channel) com as peças Tsunami e Soldier, 3. LewLara/TBWA para De La Croix com as peças Fountain Lafervre, Marceau Dupont e Tissot-Martin

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Lançada há quase 1 ano, a campanha é toda baseada no voyeurismo, permitindo ao espectador acompanhar e interagir com 12 histórias que ocorrem simultaneamente e se cruzam em Nova York. São 5 locais diferentes, incluindo 8 apartamentos fictícios de um prédio na esquina da Broome Street com a Ludlow Street.

O usuário clica na janela que deseja espiar, e acompanha uma história que parece durar horas mas, na verdade, são apenas 5 minutos de vídeo em loop. O conteúdo foi expandido para celular, atuação em redes sociais e no blog The Story Gets Deeper, onde era possível descobrir mais sobre os personagens que estão sendo observados.

O projeto, da mesma maneira que é apresentado no site, foi exibido em tamanho gigante na fachada de um prédio, justamente entre Broome e Ludlow Street, dando a impressão de estar ocorrendo em tempo real.

Foto via LiveU4 Flickr

Desenvolvido pela BBDO NY, com produção da RSA e da Asylum, o “HBO Voyeur” custou entre 7 e 10 milhões de dólares, levando quase 1 ano para ser concluído. Lembrando que a mesma BBDO NY levou Lápis de Ouro no One Show pelo “outdoor” BBC Cables.

Assista o trailer da campanha abaixo e confira o site para interagir com as histórias.

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