O designer Adam Ladd desenvolveu um curioso projeto com sua filhinha de 5 anos no último fim de semana: colocou a garotinha para analisar alguns dos logos mais conhecidos do mundo. O resultado você vê no vídeo abaixo: uma mistura de fofurice com interpretações bastante autênticas sobre as imagens. A gente ficou imaginando o que ela diria a respeito de algumas campanhas que rolam por aí…

Confira e escolha suas impressões favoritas.

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Cerveja é uma das minhas razões de viver. Na verdade, não só a breja, mas tudo que a cerca: amigos rindo ou curtindo fossa, papo bom, balbúrdia, cachaça e comidinhas deliciosas. Massa, né?

No entanto, o mundo cervejeiro, muitas vezes não nos damos conta, tem muito mais coisas bacanas em seu interior, e uma delas é o estilo de certas garrafas, embalagens, pôsteres, bolachas e rótulos (óbvio que acrescidos de líquido de qualidade, são bem mais valorosos). Aqui no Brasil eu curto muito as Colorado, em todos os quesitos, mas a real é que, no geral, graficamente nossas louras geladas são bem ruinzinhas.

Daí, indo ao finalmente, esse post é pra falar do blog Oh Beautiful Beer, que desde 25 de fevereiro de 2011 tem brindado o mundo civilizado com as pérolas mais preciosas da estética brejeira mundial e as mentes por trás delas. Vale muito a visita, rotineira ou de quando em vez. Quem sabe o quanto aguenta é você.

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Você já parou para pensar o que aconteceria se aqueles filmes que se passam no futuro fossem um aperitivo do que aguarda a humanidade, já a partir de 2012? Bom, alguém não só fez isso como transformou em infográfico. Foi Michael Hobson, um inglês que por trás do Tumblr Tremulant Design. E o que ele descobriu? Que em 2035, os robôs já seriam utilizados para tarefas comuns, mas poderiam ficar mais espertos que os seres humanos.

Antes disso, em 2015, estrearia no cinema a 19a. parte de “Tubarão”. Em 2020, finalmente conseguiríamos enviar uma missão tripulada para Marte e descobrir que existe vida alienígena. Em 2054, os crimes seriam impedidos de ocorrerem com a ajuda de mutantes videntes. Os carros seriam como bolhas espaciais em 2100. E em 2688, o rock n’roll transformou o mundo em um lugar melhor.

A bem da verdade, graficamente falando este infográfico não é tãoooo legal assim. Muito pelo contrário. A ideia inicial é boa e poderia ter sido melhor trabalhada. Mas, para quem curte cinema, vale perder alguns minutos e se divertir com ele.

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Spike Jonze é um cara inquieto. Pelo menos criativamente falando. Quando conheceu a designer de bolsas Olympia Le-Tan, ele ficou tão apaixonado pelos seus bordados que pediu a ela que fizesse uma capa bordada de “O Apanhador no Campo de Centeio”, para que ele pudesse emoldurar e pendurar. Olympia aceitou o desafio, mas em troca lançou uma outra proposta ao diretor: pediu que ele fizesse um filme.

É claro que ele aceitou a proposta e o resultado é “Mourir Auprès de Toi”, ou “Morrer ao Seu Lado”. A animação em stop motion é perfeita para quem curte design, stop motion e, principalmente, livros.

A trama se passa dentro da livraria Shakespeare and Company, de Paris, e conta a história de um esqueleto da capa de “Macbeth” (dublado pelo próprio Jonze), que se apaixona por Mina Harker, da capa de “Drácula”. Para não estragar a diversão, confira e descubra o que acontece nesta viagem que inclui alguns dos principais clássicos da literatura.

Curtiu? Então aproveite e confira o making of.

Via Nowness

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Perdi meu tempo lendo discussões (sem base) sobre o design do Timeline: A grande novidade do Facebook, que foi apresentada pelo próprio Markão (como o Merigo já mostrou aqui). E digo isso porque, antes de falar sobre qualquer assunto relacionado a isto, precisamos colocar a seguinte carta na mesa:

“Toda mudança é traumática.”

Para todos é sempre um desafio ver uma mudança pelo “processo de evolução que nos tornará melhores”, ou “que impactará de forma significativa nossas vidas”. Na sua cuca mudar é sempre uma merda: tudo o que você já estava condicionado a fazer perde o sentido e a sua memória muscular (aquilo que te faz realizar ações no automático, sem pensar) exige que seu cérebro acorde e aprenda tudo novamente. Mas não é por ser traumática que uma mudança é necessariamente negativa. Pelo contrário: muitas vezes o tempo prova que realmente foi melhor para você. Afinal, a mudança é a lei da vida ou não é, minha gente?

Mas tecnicamente falando, eu caguei para o que todos acham do UXD, do layout, da paleta, do grid ou de qualquer outro detalhe estético do projeto. Balela. Pois o ponto-chave que deve ser discutido não é esse. O que realmente nos interessa é perceber a sacada em proporcionar um jeito incrível de relembrar a sua vida, apresentá-la para seus amigos e – o que eu considero mais importante – reescrever a sua história.

Com a possibilidade de resgatar tudo o que já foi dito na rede social, o usuário constrói a sua linha da vida, contando de onde veio, onde estudou, para onde viajou, por onde passou, com quem namorou/casou/separou, quando comprou seu carro, sua casa e ainda acrescenta trilha sonora para tudo isso: compartilhando músicas, discos ou artistas.

E quando falei em “reescrever a sua história”, digo novamente: é quase um DeLorean DMC-12 na vida de muitos. Não sejamos hipócritas nesse momento: Nas Redes Sociais todos são lindos, magros, legais, inteligentes, nunca foram demitidos, nunca se envolveram em fracassos e nunca contaram moedinha pra comprar bolacha no perrengue do final do mês. Mais ou menos como em curriculum. Muita gente aumenta um ponto, inventa um curso, ou espiaqui ingrish laique Joel Santana com fluência. Agora imagine isso de uma forma fácil de atualizar, pública para seus amigos e com um estética agradável? Xeque-mate.

Vidas reconstruídas de forma exemplar. É como já disse Joseph Goebbels, ministro da propaganda e comunicação nazista (e olha que disso eles entendiam):

“De tanto repetir uma mentira, ela acaba se transformando em verdade.”

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Raramente entro em discussões sobre essa putrefação estética e principalmente econômica do mercado gráfico. Na verdade, quando alguém reage de forma ensaiada a um orçamento do meu escritório – “mas tem um site / designer que me cobra R$500,00 pra fazer um logo” – eu incentivo.

“- Poxa, então fecha com eles e aproveite a oportunidade”.

Faço isso basicamente porque este não é o cliente que meu escritório quer atender.
E não se trata de dinheiro, mas da atitude e do posicionamento que ele adota.

Para mim é importante identificar e separar os clientes entre os que tenho bom relacionamento e sinergia dos que não tenho. E dessa forma garantir (para ambos) que trabalharei com um nível de satisfação altíssimo. E não só pela quantidade de Krugs que esse cliente colocará na minha adega. A equação é muito simples: você não pode evoluir a qualidade dos seus projetos se trabalhar para um cliente que não está pronto para te acompanhar, trocando experiências e encontrando novos caminhos.

Mas é aqui que muitas agências e escritórios de design caem naquela gruta chamada ambição. Quanto mais, melhor! E muitas, muitas vezes essa agência tem até histórico com determinado cliente e SABE que será um problema. Mas a grana é boa… Paga em dia… E quem vai passar noites em claro é o pessoal da criação, do planejamento e da finalização. Fazem de tudo para ganhar / Tocam cornetinha quando assinam o contrato / E depois todos trabalham se arrastando, sem o menor tesão em entregar aquilo que foi prometido.

Sabe? O prometido? Aquela intenção de inovar e promover o lúdico de forma sustentável pelas ações diferenciadas? Coisa de agência 360ª, antenada e integrada? Pronta pra entender como a crossmedia pode oferecer algo único pra geração y, que está com o controle remoto na mão e mostra toda sua atitude nas mídias sociais.

Uma salva de palmas que eu gorfei.

Mais do que honestidade, falta dignidade. Pois se vender para um cliente inadequado custa caro pra sua empresa: fama de senzala, perda de bons profissionais e boas idéias. Vão vestir sua camisa exclusivamente por dinheiro e não por prazer. E quando esse cliente for embora, o espólio será pequeno demais pra você se deleitar.

Hoje tenho os melhores clientes que poderia. E quando digo “não” para proposta de um prospect, estou dizendo “sim” pra qualidade que continuarei entregando para os que já estão comigo. E isso mostra que o sucesso pode ser medido de várias formas. E garanto, dinheiro não é o única métrica pra isto.

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Imagine uma nova geração de artistas e designers que, a partir das infinitas possibilidades oferecidas pela tecnologia, recriasse grandes obras de arte, oferecendo uma experiência visual completamente nova. É exatamente esta a proposta de Remastered, iniciativa conjunta da Intel com a comunidade de arte e design Jotta.

Instalação sonora, fotografia, escultura, animação 3D, imagem em movimento, aplicação online, instalação interativa e design interativo foram utilizados para trazer para o século 21 obras de Van Gogh, Kandinsky, Vermeer, Munch, Friedrich, Degas, Turner, Dalí, Picasso, DaVinci, Raphael e Manet.

O projeto teve início em março e chegará ao ápice em setembro, quando acontece do London Design Festival. Na verdade, é mais uma iniciativa da Intel para estreitar laços com a comunidade criativa, a exemplo do que já havia sido feito com o Creator’s Project. Será durante este evento, inclusive, que o artista conceitual Maxence Parache apresentará sua versão de “Dança”, de Matisse, recriado a partir da tecnologia do processador core da Intel e projeção de nuvens de partículas.

É esperar para ver.

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Pouco depois de começar a estudar música em 1996, percebi que os grandes mestres bebiam de uma fonte comum e resolvi ir atrás do tal do Jazz. Pesquisei no Cadê? (o Google da época) e pela primeira vez ouvi falar em John Coltrane. Corri para o centro da cidade, comprei o CD do cara, voltei pra casa, rasguei o plástico e play. “- Que coisa estranha!” Uma música incompreensível, feita por um baderneiro no saxofone, tomou conta do meu quarto. E assim voltei para meu bom e velho rock ‘n roll. E a vida seguiu.

Anos depois, enquanto quebrava a cabeça estudando design, um amigo me deu um conselho interessante:

“O Jazz vai te ajudar a relaxar e entender melhor as coisas. Mas dessa vez não tente entrar nesse universo pelo terraço. Comece pelo térreo.”

Achei curioso e resolvi seguir a dica, buscando os principais nomes do estilo, colocando-os em ordem cronológica (assim como seus principais discos), e dessa vez as coisas começaram a fazer sentido. Pra melhorar ainda mais, nossas conversas continuaram e me ajudaram a entender a estrutura e complexidade desse mundo. E não demorou muito para perceber que o Jazz seguia o mesmo princípio do Design.

Depois de passar por Scott Joplin, Bessie Smith, Armstrong, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Art Blakey, Miles, Archie Shepp e novamente chegar ao John Coltrane, essa conexão do Jazz + Design estava bem clara na minha cabeça. Seja na música ou no design, temos diversas linhas de estudo, com princípios fundamentais que criam estruturas, ditam o ritmo e despertam sensações. E embora tudo isso passe (para alguns) a impressão de que é apenas “cagação de regra”, na verdade são plataformas para nos elevar, com segurança, ao local mais importante em ambos os temas: a improvisação.

Entender de tipologia, composição e outros assuntos técnicos do design é fundamental, e não significa que você ficará preso nessas regras. Pelo contrário. Elas só proporcionam base e intimidade para desenvolvermos projetos diferenciados e autorais. Trocando em miúdos, é mais ou menos como dirigir todos os dias em um penhasco: você acaba conhecendo tão bem as curvas, desfiladeiros e perigos do trajeto, que arrisca com novas manobras e surpreende cada dia mais. E quem vê de fora fica impressionado, mas para um piloto é tão natural como buscar pão na padaria.

E acreditem: John Coltrane foi um dos maiores pilotos da história do jazz. E tentar compreender 1% do que ele expressou em sua obra impactou diretamente  o que eu entendia como design e criação.

John Coltrane foi um dos maiores pilotos da história do jazz.

Diferente da maior parte dos estilos musicais, o Jazz possui esse formato, onde o músico conhece todas as escalas e combinações possíveis; começa com um tema conhecido, dentro de uma estrutura padrão; depois de alguns compassos se liberta na improvisação, onde não existem notas erradas e tudo faz parte de um contexto autoral. E mesmo que uma segunda nota pareça não combinar com a primeira, na terceira, quarta ou na décima, tudo se completa e faz sentido. Demonstrando um novo contexto e expandindo ainda mais o universo musical.

Por isso, no Design ou no Jazz, o que interessa são os novos contextos, desenvolvidos por profissionais com base (pra fazer funcionar), conhecimento (pra conseguir improvisar) e segurança (pra se desafiar cada vez mais). E arrisco dizer (pela minha experiência particular), que se você é estudante de design ou apaixonado sobre o assunto, ouvir discos como “My Favorite Things” ou “The Stardust Sessions” são aulas práticas do que a improvisação (pós conhecimento) é capaz de fazer. Experimente, e depois me conte.

E se você quiser pirar um pouco mais com esse assunto, conheça o projeto desenvolvido pela designer Michal Levy, que também foi contaminada pelo vírus do João Coltrane e desenvolveu uma animação impressionante, onde ela cria estruturas baseadas na forma do tema “Giant Steps”: um dos grandes temas da história do Jazz. Sketches (imperdíveis) do projeto aqui e o resultado final logo abaixo.

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Essa é para quem está à procura de uma formação com curta duração!

A Escola Panamericana de Arte e Design está com as matrículas abertas para os cursos de design de publicidade, design de interiores, design gráfico e fotografia. E o mais bacana: eles podem ser finalizados entre 1 ano e meio a 2 anos e meio.

O curso de design de publicidade é o grande diferencial da escola. Com essa formação, o Designer de Publicidade estará apto a resolver os problemas de comunicação, criando peças publicitárias que se destacam em meio à intensa exposição visual nas mídias.

O objetivo é desenvolver a criatividade, aplicando tecnologia, imagem, som e produção gráfica, e formar especialistas em soluções criativas!

Se interessou?

Então agilize-se pois as matrículas podem ser feitas até o dia 14 de agosto, é só clicar aqui.

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[Esse post é trazido a você por Escola Panamericana de Arte e Design. Texto de responsabilidade do anunciante.]
[Informações importantes ao leitor sobre Post Patrocinado.]

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Luigi Colani é um mito no design. E quando falamos de um profissional deste gabarito, pouco importa se gostamos ou não de suas obras. É necessário ir além (com maturidade) nas análises e percepções de tudo o que ele quis dizer em seus 50 anos de trabalho e mais de 5.000 projetos inteligentes, autorais e inspiradores.

Diferente do Jonathan Ive (designer-gênio da Apple, que revolucionou a empresa), Colani não desenvolve produtos para você se apaixonar e gastar dinheirinho. Suas criações são provocativas. Te fazem pensar que (talvez) o formato dos objetos que fazem parte do seu dia a dia poderiam ser diferentes e mais funcionais. Isso por conta da sua principal característica, que ele mesmo chama de design bio-orgânico: uma linguagem que busca na natureza a forma, cor, textura, estruturação, elegância, dinamismo e equilíbrio para desenvolver um projeto.

A observação das formas da natureza não é novidade: Fibonacci que o diga! Mas a execução de Colani é impecável. Como disse no começo do post, não são projetos comerciais, mas sim autorais e inspiradores. Infelizmente, como a obra dele é enorme, não posso postar aqui tudo o que eu gostaria. Mas te convido para dois passeios obrigatórios: o primeiro no site dele, onde você encontrará grande parte do acervo. E o segundo, assistindo – em full screen, com fone de ouvido e telefone fora do gancho – o vídeo abaixo. Apreciem!

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Sem dúvida um dos assuntos menos discutidos no nosso universo é a Gestalt.
Quer dizer… já vi muita gente que diz entender do assunto. Mas quando caímos na prática, a galera desliza. E não vejo problema nisso, afinal, esse não é um assunto acessível e fácil.
No entanto (minha opinião) ele é essencial. Infelizmente estudar sobre o tema aqui no Tupiniquim não é moleza. Não por ser complexo, mas pela falta da abordagem ou pelo excesso de superficialidade de grande parte dos cursos de formação (gráfica) do nosso país.

Pra quem não conhece sobre o assunto: Gestalt é um estudo da psicologia, também conhecido como Psicologia da Forma, que – basicamente – trata sobre o processo em que seu cérebro percebe, interpreta e organiza as informações visuais que você vê por aí. Em outras palavras: sabe quando você olha algo que é bonito, mas que lá no fundo não te convence ou até te incomoda? Isso acontece porque sua mente sabe que “a Gestalt não está completa”, e consequentemente “tem algo errado ali”.

Sua cuca organiza naturalmente aquilo o que você vê (objetos, cenário, interferências, etc) seguindo alguns padrões racionais. Padrões estes que o estudo da Gestalt categorizou em quatro pilares. Um deles, que você já viu bastante, foi muito usado pelo Escher: a Segregação.

Embora exista harmonia entre os objetos, eles pertencem a diferentes grupos. E seu cérebro só consegue interpretá-los segregando-os do todo. Outro dos quatro pilares é essa nossa tendência de estruturação: a mania de agrupar objetos e tentar encontrar os padrões entre eles. Parte do seu dia a dia, não?

A Gestalt é um assunto que vale todo o investimento do seu tempo, dinheirinho e paciência. E, embora muitos digam que ele faz parte de um laboratório de estudos do século passado e que não cabe mais em nosso universo, eu digo: bullshit!

Além dos quatro pilares que citei (dois), os estudos apontam uma dúzia de fundamentos importantíssimos para a composição (de imagens e construção de idéias), como unidade, proximidade, pregnância, continuidade, e por aí vai…

Quer saber mais sobre isso? Aí vão três recomendações para você: Leia “Gestalt do Objeto” do professor João Gomes Filho. Um livro leve, com leitura agradável e muito bom como primeiro passo nesse universo. Leia “Estética” do Theodor Adorno. Não é fácil de achar no Brasil (provavelmente sua livraria irá importá-lo de Portugal), além de possuir um linguajar mais denso… mas é fantástico. E por último, troque figurinhas sobre isso com algum amigo psicólogo.

E depois conte tudo aqui.

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Embora muita gente acredite que Design & Direção de Arte são áreas muito similares, na prática (e principalmente na teoria) isso não é verdade. Cada uma delas tem suas necessidades, seus intuitos, suas bases e aplicações. Dois universos que não são parecidos e justamente por isso se complementam. Enquanto um diretor de arte possui habilidade para desenvolver idéias em composições (como anúncios, filmes, etc), um designer sabe oferecer uma combinação tipográfica mais adequada e funcional para um determinado projeto, por exemplo.

E na minha opinião, o uso de tipos é uma questão terrível. Pois produzir essas combinações fazem parte do dia a dia de qualquer diretor de arte (embora ele não tenha a necessidade de estudar isso tão a fundo, como um designer). É óbvio que o critério, a quantidade de referências e o bom gosto ajudam bastante. Mas sem dúvida, o conhecimento teórico do design ajuda bastante nessas horas.

Vale ressaltar que se levarmos ao pé da letra, criar uma combinação tipográfica (com tipos já existes) de um livro ou algo do tipo, não é design: é editoração. No caso de um livro, só seria design se ele fosse projetado dentro de uma função, como um objeto. Ou seja: desenvolvimento de tipografia adequada; escolha de um suporte (papel, capa) correto; aplicados num formato ideal. Voilà! Design.

O design quase sempre parte de 4 fatores primordiais na hora de escolher a tipografia de um trabalho. PRIMEIRO: Qual é a função do projeto? É um texto corrido? Existirão titulares? É texto curto ou leitura constante? Precisaremos de uma quantidade de estilos? SEGUNDO: Tecnicamente teremos limitações na impressão? É off-set, gráfica rápida, silk, CTP? Seremos obrigados a usar True Type ou poderemos usar Open Type? TERCEIRO: O cliente tem verba para confeccionarmos uma letra? E se não tiver o suficiente, essa grana compra quantas licenças? QUARTO: Qual é a relação entre a forma e o conteúdo? O volume/visibilidade são essenciais para o trabalho?

No nosso alfabeto (latino) as letras são lidas pela forma, o que exige bom senso e respeito com o ‘tom’ a ‘personalidade’ delas. Isso porque muitas vezes esses ‘timbres’ não harmonizam (graficamente falando). E como a forma é o que nos interessa, rolam aberrações se colocarmos uma Bela e uma Fera pra dançar no layout.

Assim como na química, aqui combinações erradas também explodem na nossa cara. As itálicas dificilmente duplam bem com romans: é preciso escolher com sabedoria (imprimir, testar a leitura ao máximo principalmente no caso de  texto corrido). E infelizmente a combinação com letras de uma mesma família não resolve isso. Seja o caso de itálica + roman ou não, esse sempre será um coquetel perigoso. Ex.: Helvetica Roman + Helvetica Expanded… é horrível!

Um jeito fácil de resolver essas combinações é diferenciando bem a altura, o corpo e o espaço. Ou seja? Chuta o balde com tamanhos muito diferentes. Normalmente isso funciona.

As combinações clássicas (e mais fáceis) são entre serif + sans serif. Mas se o caso for de duplar serif + serif ou sans + sans, senta e chora. Nada pode ser mais difícil do que isso. As sans são ótimas. Mas nem sempre se aplicam bem em tudo. Cada vez que alguém usa sans em texto corrido, um tigre-de-sumatra morre na Indonésia. Outro erro clássico é o uso de bold em texto para longas leituras. Nesse caso, falamos de 12 pandas morrendo de gripe na China. Seguindo a bula, é sempre bom evitar.

Na hora de comprar uma letra, é sempre bom ficar esperto, pois existem diferenças entre “mesmos tipos” de “diferentes fabricantes”. Elas não são iguais. Em alguns casos (serifs) você pode comprar uma letra mecanizada, sem aquele traço orgânico, elegante, que é desenvolvido com base no traço de uma ponta. Isso não significa que as mecânicas são imprestáveis: são ótimas parceiras de sans.

Tipografia é uma ciência. E como todas as outras, seu desenvolvimento não tem limites, nem verdades absolutas. Portanto o que vale é tomar cuidado com os erros mais clássicos, encontrar novas combinações e compartilhar com todos. É a melhor forma de desenvolvermos isso cada vez mais.

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A missão era criar uma experiência única para uma marca de luxo, e dar ao edifício do hotel personalidade própria. As paredes, elevadores e colunas se transformaram em displays, com arte viva, unindo a arquitetura do lugar com tecnologia digital.

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Glaser é um mito vivo. Um grande profissional que faz parte da história do design. E hoje encontrei um vídeo recente dele, discutindo um tema que faz parte do dia a dia de qualquer um: o medo de fracassar. Acho que todos deveriam assistir isso. Estudantes, designers, publicitários e clientes. Então, fica a dica: reserve 7 minutos do seu tempo, coloque seu fone de ouvido e aproveite essa aula. E nada de piadinhas dizendo que ele parece o Mr. Burns, ok?

O vídeo está em inglês, sem legendas em português (me perdoem).

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Tem esse cara chamado Bas van der Veer: designer prodígio lá da Holanda. Gosto muito dos projetos dele, principalmente por perceber que ele acredita, valoriza e prioriza o pilar mais importante do design: a função.

Em 2009 ele ganhou o prêmio René Smeets e ainda foi pro shortlist do Melkweg Award e do Condé Nast com o Raindrop. Essa tubulação + regador, integrados com a calha do telhado da sua casa. Assim é possível captar e aproveitar melhor a água da chuva.

Se o jardim da sua casa não foi feito pelo Burle Marx, tem a versão mini do Rain:

A Elho começou a fabricar e vender em lojas de toda a Europa. Mas e aqui no Tupiniquim? Será que a dengue seria um problema para o Raindrop?

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Para quem não lembra (assista o vídeo), o Ursulão é um personagem de desenho animado que sempre decidia fazer as tarefas de casa, ao invés de dar dinheiro para a mulher contratar um especialista (eletricista, encanador, pintor): e claro, sempre dava merda. A casa pegava fogo; o cano estourava; o motor do carro fundia. E no final, ele tinha que gastar mais grana pra limpar toda a cagada.

No desenho era engraçado.
No nosso mercado, não.

Pode parecer exagero, mas não é: já perdi a conta de quantos Ursulões bateram na minha porta (ou em agências que trabalhei). Normalmente são clientes que não conseguem tangibilizar um determinado projeto, acabam questionando o investimento proposto pela agência e tomam a sábia decisão de partir pro home made. Em outras palavras: “Xá comigo! Faço essa idéia por aqui!”.

Sem conhecimento técnico. Sem prática. Sem critério estético. Pedem para o menino da arte ou o da tecnologia resolver a coisa. Às vezes até chamam o sobrinho que tem CorelDraw no computador. E pau no gato!

Não faz muito tempo, vi uma multinacional negar uma proposta para o desenvolvimento de um site (para o mercado brasileiro) que custaria a bagatela de 10 mil reais. Pois alguém lá de dentro teve a idéia ursolina de pedir para a matriz enviar os arquivos do site americano. Assim eles poderiam ser traduzidos e adaptados aqui, no Tupiniquim. Detalhe: catálogo com 2.000 produtos.

Seria viável se o site fosse feito em uma linguagem padrão. Mas não era o caso. O site, em Ruby (prazer, Saulo), deu mais trabalho do que eles imaginavam: não conseguiram achar programadores especialistas nisso, nem ninguém que topasse adaptar e traduzir o site.

O resultado? O que, novo, custaria 10…
… usado e recalchutado, custou 35.
Demorou pra arrumar alguém. Demorou pra ficar pronto. E ficou tosco.

A síndrome do Ursulão é uma doença, que prejudica o cliente invariavelmente, trazendo graves consequências a saúde de uma marca. Se os sintomas persistirem, procure um especialista.

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Não gostou do novo logo da Starbucks? Então faça o seu próprio para o concurso do DesignContest.

O prêmio para o design escolhido está em 550 dólares atualmente. E como você deve imaginar, tem algumas sugestões bem estranhas.

O concurso não tem relação oficial com a Starbucks.

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Não é bonito quando uma comunidade tecnológica resolve mostrar seu orgulho por utilizar uma ferramenta ou linguagem e sai por aí espalhando selos, comprando camisetas e distribuindo adesivos?

É por isso que a W3C (World-Wide Web Consortium) criou um logo para o HTML5, dedicado a criar um vocabulário visual para a linguagem e simbolizar o centro desse movimento tecnológico.

No site da marca, é possível criar uma badge personalizada de acordo com a tecnologia utilizada em seu projeto, dividida em oito classes, como semântica, conectividade, 3D, performance, etc.

O logo foi criado pela agência de design Ocupop.

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A ideia, segundo ele, é instigar sua própria criatividade e, bem, promovê-lo como designer (o que parece estar funcionando). A única regra é não gastar mais que 100 minutos em cada um, sem contar o tempo gasto para pensar no logo.

O resultado pode ser conferido na página do Facebook do cara, inclusive o tempo gasto com cada peça. Claro, há muitas boas e outras nem tanto, mas, como explica o designer, a preocupação com os detalhes de execução não foi o que lhe tomou mais tempo.

Acho a proposta muito interessante para os dois objetivos desejados, mas principalmente na parte em que desafia e provoca a ação de criar. Obviamente existem dias bons e dias ruins e é preciso estar preparado e satisfeito com seu trabalho para aceitar prováveis resultados abaixo da média sem que isso afete sua auto-confiança. Como diria o Carlos Merigo, “odeio terminar post com pergunta”, mas, diz aí, você já se provocou hoje?

via Behance

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No dia 20 de janeiro, o Museu do Ipiranga – formalmente chamado de Museu Paulista da USP – em São Paulo abre a mostra “Papel de Bala”.

E o que você vai perceber nela é que está realmente ficando velho, pois estarão expostas mais de 200 embalagens de balas, chicletes, bombons e pirulitos daquela época em que você estava na escola.

A maioria dos produtos nem existe mais, como o saudoso Ping Pong, aqueles azedinhos, as balas Chita, os Mini-Chiclets, a bala Banda, e por aí vai. A paçoca Amor ainda existe, certo?

A mostra fica até o dia 20 de março, de terça a domingo, das 9 às 17 horas, com ingresso custando R$ 6,00.

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Ao completar 40 anos em março de 2011, a Starbucks irá mudar a sua conhecida marca, que permanece a mesma desde 1992.

Fica mais simples, perdendo a cor preta e a palavra “coffee”, já que a gigante rede que começou como uma pequena loja em Seattle não vende mais apenas café há muito tempo.

Atualmente, a Starbucks está presente em mais de 50 países, com 16 mil unidades. A mudança do logo promete ser apenas o início das ações comemorativas em 2011.

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A ideia consiste em 3 “passos”, segundo os designers: 1. embalagem original, 2. embalagem simples e 3. embalagem mais simples ainda.

O resultado, visualmente, fica bem bonito. É aquela história do “menos é mais”; muita gente, (inclusive eu, na maioria dos casos) prefere um design limpo. O sonho dos designers: valorizar a embalagem, dar destaque para o logotipo, mostrando só o que interessa. O argumento é de que menos informação em uma hora tão delicada quanto a escolha do produto seja um fator decisivo.

Mas, em se trantando de gôndola, talvez as embalagens não sejam como são à toa. Fiz uma montagem bem tosca só para simular as embalagens minimalistas lado a lado, mesmo sem levar em conta que são produtos de categorias diferentes. Se as embalagens fossem todas assim, a escolha na hora da compra, aquela que dura segundos e é dirigida muito pelo subconsciente, seria impactada principalmente pela cor predominante e pela forma da embalagem. Em casos de embalagens parecidas, talvez houvesse confusão e o consumidor fosse direto naquela que, aparentemente, lhe promete mais: a que tem o visual mais carregado. Daí voltamos ao começo do post.

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O Papai Noel é definitivamente uma marca. Conhecida globalmente e esperada ansiosamente pelos pimpolhos todos os anos (por muitos adultos também, aliás).

Obviamente, você deve imaginar como o coitado é utilizado por aí sem critério algum, acabando com sua honra e sem nenhuma relação com seus conceitos originais.

Sendo assim, a agência Quietroom resolveu imaginar como seria o brand book do Papai Noel, encomendado pela Santaclaus Global Enterprises. Um guia de aplicação bem útil em respeito ao gordo barbudo.

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Veja todos, com links para as versões maiores.

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Os designers finlandeses Janne Passi e Hannu Rippati, da Palmu Inc. criaram, em cima do conceito dos brinquedos infantis que usam formas e cores, uma maneira de “educar” os pequenos sobre mídias sociais desde cedo.

Eles acreditam que, usando o IOBR, as crianças crescem preparadas para lidar com uma nova exigência social que se desenha: a utilização de um monte de ferramentas sociais. O conceito é simples, através do bom e velho (mas turbinado) bola-na-bola, quadrado-no-quadrado, as crianças poderão mostrar seu “status” social aos seus amiguinhos. Os IOBR conectam-se entre si via internet e estão em fase de testes. Confesso um pouco de medo.

via Technology Review

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Em 1611, o Rei James da Inglaterra mandou fazer uma nova tradução da Bíblia, puxando sardinha para a Igreja Anglicana. A tal versão causou impacto não só na literatura inglesa, como também na sociedade, e é respeitada até hoje entre os cristãos.

A criação da nova moeda é um trabalho do DesignStudio, de Londres, e traz a inscrição “In the beginning was the Word” (João 1.1) espelhada, em uma representação do processo de impressão na época.

A ideia veio após uma observação de uma das cópias originais da Bíblia do Rei James, exposta no Biblioteca Britânica em Londres. Design sutil e belo.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Talvez o amplificador mais icônico que já existiu, o Marshall fez história no rock. Pense na sua banda ou guitarrista preferido e muito possivelmente você encontrará paredões de Marshalls atrás deles no palco.

Do The Who ao Iron Maiden. De Ritchie Blackmore, a Randy Rhoads. De ACDC a Groove Armada. De Lemmy Kilmister a Jimmi Hendrix. A lista é interminável. E já que quase todo mundo que gosta de música já headbangeou ao som de um Marshall, por que não levar esta experência adiante?

Assim surgiram Major e Minor. O headphone e o earphone da Marshall. Os dois feitos no capricho, com detalhes que lembram os amplificadores. Se o som for parecido, vale muito a pena. Eu já reservei o meu.

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As ideias vão desde usar pão para fazer uma luminária, até um auto-retrato meio bizarro feito papel-alumínio (que lembra algumas obras “bienalescas”; mas não que essas tenham tomado um dia de trabalho).

Antes de discutir a esquisitice ou a criatividade dos resultados, vale lembrar que, nesse caso, o principal não é o que foi criado, mas como. O próprio nome do projeto entrega. O designer abre uma discussão interessante sobre a criatividade na era da hiperinformação. Muitas referências, muitos contatos, ctrl+c ctrl+v, 24 horas ligado, ao mesmo tempo e agora.

Pegar tudo isso e colocar em uma fila diária, linear, com um tempo pré-determinado é um paradoxo. Lembra alguma coisa? Sim, talvez o projeto criativo em que você está trabalhando nesse minuto.

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Depois do hit “Fuck You”, Cee-Lo Green lançou um novo clipe tipográfico.

Dessa vez é para a música “It’s Ok”, que também estará no álbum “The Lady Killers”. O lançamento será no dia 9 de novembro.

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Justamente por serem roots, e pela leveza do arquivo, as animações sequenciais dão ótimas peças visuais, como as fantásticas criações do designer David Ope:

Outra série muito boa é a “If we don’t, remember me”, que usa loops de filmes cult. As sequências animadas podem se revelar ótimas mini-esquetes:

Não vejo marcas usando esse pequeno nicho, que, apesar de “antigo”, está muito presente nos sites, messengers, e-mails e powerpoints de corrente – ou seja, uma oportunidade barata e, para usar um termo da moda, muito simples de fazer um “meme”.

O único caso que conheço é o ótimo projeto I am not an artist, feito no começo do ano pela agência Soon in Tokyo para a escola de design espanhola Elisava.

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Um ótimo compilado para entender como o cinema trata, visualmente, a era dos computadores.

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Criada pelo designer Joe Bauldoff em um evento beneficente para o Levine Children’s Hospital.

Pense como o mundo seria menos divertido sem o novo logo da Gap – que depois foi rejeitado, mas isso não importa.

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Que o volume de informação a que você está submetido nos dias de hoje é absurdo, claro, você sabe. Já leu a respeito. Mas, ao contrário do que essa tendência indica superficialmente, não vivemos e não viveremos a era da liberdade da informação – pelo menos não como entendemos liberdade. Vivemos uma situação em que podemos buscar o que quisermos. Mas, temos liberdade?

Ao vencer a barreira dos milhões de resultados escolhidos (ranqueados) pelo buscador, os links patrocinados e os que não nos interessam, nos sobra muito provavelmente um artigo, uma notícia ou um arquivo. Por isso se chama era da informação e não era do conhecimento: nossas almas jovens e internéticas, nossos dedos nervosos, querem a resposta prontinha, mas encontram artigos ou videos que tem que ser lidos ou vistos – até o final! – ou outros arquivos que não dizem tudo de forma clara.

Esse sintoma resultou em alguns fenômenos, como o Yahoo! Respostas, multiplicação de fóruns sobre vários temas, o HowStuffWorks, tutoriais, podcasts e, porque não, até o mais recente e comentado Flipboard, cuja base é uma fantástica arquitetura de informação. Você, usuário, quer saber o que fazer – e quer que alguém lhe diga.

Há alguns dias me deparei com a seguinte notícia: “O Diretor de Arte vai gerir o veículo de mídia no futuro”, do Editor’s Weblog. O artigo explica que, com a chegada dos tablets (na minha opinião, mesmo antes disso), os consumidores de conteúdo estão ávidos por uma experiência visual. Exemplos de experiências estão nos grandes portais, inclusive nos brasileiros UOL, iG e Terra, que têm mandado ver nos infográficos interativos.

Pra quem se interessa, os sites Visualisation.org e o Information is Beautiful reunem algumas visualizações fantásticas. Para organizar visualmente informações complexas, os designers de sites e impressos apostam há algum tempo na infografia.

Na internet, a tendência é forte. Se olharmos os detalhes de um site atual, veremos que até a simples “nuvem de tags” é uma solução visual para um excesso de informação. Dos mais simples aos mais complexos, dá pra representar quase tudo em uma imagem. Quem disse que a era do fast-food não traria resultados, pelo menos, bonitos?

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O designer Adam Campbell também se adiantou, e já propôs um poster para a produção. Tá tudo pronto galera, é so filmar.

Phoenix é o nome da cápsula que foi utilizada para resgatar os 33 homens.

| Vi no Trabalho Sujo

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Toda vez que uma empresa altera sua marca, geralmente utilizada por longos anos, a maioria das pessoas tende a estranhar e reclamar. Normal. Porém, a Gap abusou do direito de fazer bobagem.

O novo (e terrível) logo revelado ontem está tomando porrada de todo lado na internet. No Facebook e no Twitter, designers e estúdios se oferecem para criar um novo, de graça.

A vergonha é tanta, que nem a própria Gap alterou a marca em sua página no Facebook, continua utilizando o antigo.

Para tentar conter a revolta popular, a empresa anunciou que vai lançar um projeto de crowd sourcing nos próximos dias. Declararam que ficaram surpresos com o buzz e o debate que o logo gerou, e vão permitir as pessoas que enviem suas próprias sugestões de design.

A agência que criou a nova marca, Laird + Partners de Nova York, não se pronunciou. Isso me lembra um certo logo de Copa do Mundo, que vai acontecer em 2014. A diferença é que a Gap, pelo menos, tomou uma atitude.

E o aprendizado que fica é que, em tempos de mídias sociais, uma empresa não pode nem mais tomar suas próprias decisões ruins de design como já fazem há anos.

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A criação é da agência austríaca Demner, Merlicek & Bergmann, e a peça foi shortlist no último London International Awards.

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A personalização não era só na pintura, mas também na carroceria e funções internas.

As imagens, raras, foram scaneadas diretamente de um catálogo original da Volkswagen. Você pode ver muito mais aqui.

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O caligrafista italiano Luca Barcellona abre mão de qualquer software no computador, e cria “na unha” a tipografia de um cartaz para o evento “Legacy Of Letters”.

E você aí passando horas pra escolher um fonte…

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O designer Nathan W. Pyle imaginou isso, e criou a camiseta “The Other Numbers” disponível no Shirt.Woot.

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Dá uma olhada em algumas obras abaixo. Você pode ver mais no Flickr da moça.

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