Desde que falei sobre “Hugo” pela primeira vez aqui no B9, a expectativa para ver o filme só aumentou.

Meu favorito dessa temporada de premiações ainda é o belo “O Artista”, mas creio que isso pode mudar depois de assistir a adaptação infanto-juvenil de Martin Scorsese, indicado a 11 Oscars.

No post de julho passado mostrei algumas comparações entre o livro de Brian Selznick e o design de produção do italiano Dante Ferretti. E quem gostou não pode deixar de ver o vídeo abaixo, publicado pela Paramount essa semana.

Ele mostra os bastidores e o processo criativo por trás do filme, com depoimentos da editora Thelma Schoonmaker, o produtor Graham King, o supervisor de efeitos especiais Robert Legato, o compositor Howard Shore, e claro, com o próprio Ferretti.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Saiu ontem o trailer de “Moonrise Kingdom”, o novo filme do diretor preferido dos publicitários de camisa xadrez é óculos desproporcional: Wes Anderson.

A história se passa no verão de 1965 e acompanha um casal de namorados de apenas doze anos de idade que, depois de um pacto secreto, resolvem fugir da cidade na Nova Inglaterra.

O elenco já vale o ingresso, com Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton e Jason Schwartzman.

Mas a pergunta que não vai nos abandonar o dia todo é: Onde diabos está o Owen Wilson?

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Em 2011 saíram diversos documentários musicais. Com material biográfico de quem até não saiu das fraldas, teve filme do Justin Bieber, por exemplo.

Mas se você quer um registro realmente importante, deveria colocar esse “Shut Up And Play The Hits” na lista para assistir em 2012.

O documentário, dirigido por Dylan Southern e Will Lovelace, mostra o fim do LCD Soundsystem com um último show no Madison Square Garden em 2 de abril do ano passado.

James Murphy decidiu acabar com a banda no auge da popularidade, e garantiu uma despedida ambiciosa e emocionante de quase quatro horas de duração. Eu que não sou fã, me impressionei com o trailer:

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

A adaptação de David Fincher para “Os Homens que não Amavam as Mulheres” (The Girl with the Dragon Tattoo) estreou nos Estados Unidos em 27 de dezembro (aqui no Brasil chega em 27 de janeiro).

Isso significa que o Blur Studios teve quase 6 meses para criar a sequência de abertura no filme, encomendada pelo diretor em julho de 2011 e acompanhada em cada detalhe tipográfico.

Inclua aí o período de brainstorm, refação e aprovação, e um semestre não é muito menos do que o tempo que o longa toda levou para ser produzido. Ou seja, a vida em Hollywood deve ser fácil.

Na trilha sonora, uma versão de “Immigrant Song” do Led Zeppelin feita pelo Trent Reznor.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Seu presente de Natal fílmico chegou mais cedo, e quem o traz é um barbado Danny Trejo no trailer lá embaixo.

Depois de “A Rede Social”, Hollywood deve estar a procura de mais filmes com referências da internet. Você poderia imaginar qualquer outra trama séria, complicada e conspiratória baseada em marcas e personalidades online, por exemplo, mas pra que pensar muito se temos um infinidade de memes que com um pouco de nonsense podem se transformar em histórias de 90 minutos?

Você deve se lembrar do Epic Beard Man do início de 2010. O vídeo que alcançou fama instantanea na internet com mais de 1 milhão de views em poucas horas, mostra o barbudo Tomas Brujo, de 67 anos, botando um cara pra correr dentro de um ônibus em Oakland.

No filme intitulado “Bad Ass”, Trejo reencena o fato, dando porrada em dois skinheads e se tornando um ícone local. O que ele vai fazer depois disso? Bem, é algo que os roteiristas devem ter resolvido em um tempo menor que a duração do vídeo original.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Na quarta passada fui assistir “Missão: Impossível – Protocolo Fantasma” principalmente motivado para ver o que Brad Bird – um diretor da Pixar com “Os Incríveis” e “Ratatouille” no currículo – faria com um filme de carne e osso.

A missão em si, assim como em todos os outros três filmes, continua genérica, mas Brad Bird certamente construiu com a equipe da Bad Robot de J.J. Abrams as sequências de ação mais divertidas e criativas da série.

Mas além do filme em si, me chamou atenção o tamanho da “parceria” da BMW com a Paramount. No início do ano, a montadora alemão tinha anunciado que demonstraria o carro conceitual Vision EfficientDynamics, também conhecido como i8.

Combinando com todas aquelas traquitanas tecnológicas utilizadas pelos agentes da IMF, o i8 tem papel importante na trama, demonstrando na prática durante uma perseguição na Índia o sistema que a BMW chama de ConnectedDrive, capaz de reconhecer todo o ambiente externo ao redor do carro e apresentar ao motorista

Mas a presença da marca não fica somente no i8. Ethan Hunt dirige outros carros da BMW, incluindo um conversível série 6.

Porém, eu quero que você preste atenção mesmo em uma cena lá pelo final do filme, quando se faz praticamente um comercial sobre segurança de um BMW. Você pode ter a ideia absurda que quiser que o air bag garante o resto.

A marca não apenas está presente o tempo todo, como também é capaz de salvar o mundo. Pra fazer corar a General Motors e o Michael Bay.

Abaixo, o trailer-comercial desse acordo milionário:

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Fim de ano é época de retrospectiva de tudo quanto jeito, em tudo quanto é segmento. Com o cinema também é assim, e todo ano diversos vídeos compilam os lançamentos mais importantes dos últimos 12 meses.

O clipe acima reúne 166 filmes diferentes lançados em 2011. Uma boa lista para você anotar o que perdeu e assistir antes que o ano acabe.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

“A fotografia está linda!”

Com seus altos altos níveis de clichê e, na maioria das vezes, repleta de falsa intelectualidade, essa frase é uma das mais odiadas por quem realmente gosta, entende ou faz cinema. A razão é simples, normalmente isso significa: o filme é bonito, se desconsiderarmos os alucinados que tentam elocubrar sobre o assunto sem ter ideia do que estão falando.

Então, o que diabos é essa tal “fotografia”? De modo bem prático, é o resultado visual das decisões do diretor e do diretor de fotografia (em inglês, cinematographer), das necessidades da cena e do clima desejado. E isso envolve muito mais do que “estar bonito” ou apontar a câmera, manter o foco, esperar a cena terminar e repetir o ciclo. Porém, tudo isso é fruto de um longo processo de aprendizado e compreensão. Não entendia a profundidade desse trabalho até me deparar com um DP (diretor de fotografia) que precisava aprender tanto quanto eu nas filmagens de “Filhos do Fim do Mundo” (When It Ends, 2011, EUA/BR).

Antes de continuar, veja o filme:

A ideia desse texto surgiu quando o Saulo Mileti perguntou: o que é o A.S.C que aparece depois do crédito do Diretor de Fotografia em todos os grandes filmes de Hollywood? É a abreviação para American Society of Cinematographers, o sindicato da categoria e também representa a chancela do nível de trabalho do profissional. A ASC só aceita membros experientes, testados e capacitados a executor o trabalho. Isso implica em salários garantidos e, claro, mais altos.

Em termos práticos, ter um DP alinhado no set é fundamental. Ele é o maior aliado do diretor e isso não se discute. Tomemos “O Resgate do Soldado Ryan”, por exemplo, com fotografia de Janusz Kaminski. Todo mundo fala da sequência do desembarque na Normandia por dois motivos: a câmera na mão do Spielberg e o visual. Misturando técnicas de exposição, velocidade de filme e outros elementos controláveis diretamente na câmera – e preparados com grande antecedência –, foi possível encontrar aquele clima meio sujo, meio antigo, com a saturação ideal de cores e grande realismo. De forma efetiva, o visual ajudou a contar a história, ajudou a dar peso e relevância aos atos de Tom Hanks, Tom Sizemore e cia.

Esse é o cenário ideal, no qual o DP teve tempo para experimentar em película e ter a fórmula certa para as filmagens. Habitualmente, aqui nos Estados Unidos, pelo menos, quando se inicia um projeto grande, é comum o contato entre o DP e a Kodak, por exemplo, para que o profissional tenha amostrar de vários tipos de película – de acordo com suas orientações iniciais – para testes de campo. O laboratório fornece alguns rolos e o sujeito escolhe o melhor. No mundo das câmeras digitais, o laboratório sai e quem entra em cena é a locadora de câmeras, que vai tentar encontrar a combinação de equipamento capaz de maximizar o resultado desejado.

Tudo isso mostra apenas um aspecto da preparação necessária e do nível de envolvimento entre diretor e DP. Outros fatores fazem a diferença, claro, entretanto, para efeito dessa conversa aqui só esse já basta, pois o maior problema dos sets de filmagem – especialmente os amadores ou independentes – é exatamente a falta de sincronia ou até mesmo a disputa pelo poder. Com gastos gigantescos de aluguel de equipamento, locações e etc, cada segundo em set custa horrores e todo mundo sabe, tanto é que diretores demorados são extremamente criticados nos bastidores, entretanto, pior que um diretor lerdo, é um diretor incapaz de escolher o DP certo e aí o problema começa. Passei por algo assim e fui descobrir que existe uma tendência marcante em fotógrafos iniciantes para tentar impor seus gostos ou ideias. De fato, são sujeitos que querem – e pode até acabar conseguindo – ser diretores, mas ainda não perceberam.

O primeiro problema é a inconsistência. Quando há dois comandantes, o barco fica virando de um lado para o outro até que o controle seja estabelecido. Isso afeta a imagem, prejudica o objetivo visual desejado e, inevitavelmente, vai te deixar com um monte de cenas visualmente díspares nas mãos na hora de editar. Num filme maior, o problema seria identificado na primeira exibição de diárias, porém, quando se trata de algo independente o estrago pode ser grande demais para ser reparado, afinal, refilmar é um dos maiores pesadelos do diretor indie. E uma coisa importante: arrumar na pós-produção não é uma opção aceitável, pode apostar.

Existe essa escola de pensamento sobre qualquer coisa ser resolvida, melhorada ou decidida com a manipulação digital e isso está criando uma gerações de apertadores de botão que se dizem DPs, afinal, para que trabalhar direito atrás da câmera se, meses depois, um técnico vai arrumar suas cagadas? Tenho ouvido de muitos produtores indies por aqui que “não precisa de luz para a 5D” ou que “é só filmar em RAW e a pós resolve”. Quer dizer, o sujeito já entra no jogo pensando num pênalti nos acréscimos da prorrogação? Não digo isso só pelo aspecto da arte, mas do cuidado com a produção. Imagina como esses caras estão ficando preguiçosos e acomodados? Esperar resultado bom disso é, no mínimo, utópico. Isso sem entrar nos debates iniciados pela câmera que foca depois.

Esse cenário nos leva a dois pontos importantes: identificar que tipo de DP você quer contratar e qual a relação dele com a obra. Existe o “DP técnico ou Apertador de Botão”, aquele que sabe tanto sobre a máquina, as lentes e as configurações que considera o diretor um ser inferior; esse cara vai entregar uma cena tecnicamente perfeita, mas sem input criativo e, se der errado, bota a culpa no diretor e no elenco. Ele é praticamente um assistente de câmera melhorado, entretanto, é ideal caso você tenha um diretor controlador e com tendências egocêntricas. As chances de atrito serão pequenas.

Também existe o “DP Fominha”, basicamente um cara se considera um storyteller melhor que o diretor e quer impor suas ideias de movimento, linguagem e, as vezes, até decisões de roteiro. “Na minha versão, a cena deveria acontecer assim” foi a pior frase que ouvi até hoje, num set de filmagens. Esse cara é encrenca certa e só baixa a bola quando erra feio ou leva porrada (aka “ou trabalha em grupo ou vai pra rua”). E, no meio de tudo isso, temos o “DP Criador”, um cara disposto a colaborar, cheio de ideias e questionamentos na pré-produção, mas totalmente fiel ao acordo final durante a execução. Essa é a melhor configuração. A mais cara e difícil de achar, mas é a ideal.

E nem vou entrar nos méritos organizacionais necessários a um DP (coordenação de iluminação, grip, operadores e assistentes de câmera, DIT e etc). É um trabalho importante e que transcende a simples beleza da imagem, alias, às vezes, o objetivo é o inverso. Pensando rapidamente aqui, penso nas cenas noturnas com a câmera na mão alucinada, granulada à enésima, e tremida de “Zona Verde”, fotografado por Barry Ackroyd e dirigido pelo Paul Greengrass. Concorda que nada ali teria dado certo se não houvesse uma única visão em execução? Tudo isso pode parecer óbvio, mas a realidade dos filmes de baixo orçamento é muito diferente do paraíso ideal de Hollywood. Ter que trabalhar com o que há de disponível é um fator inegável em projetos pequenos, entretanto, tomar certos cuidados na escolha são fundamentais. Seus clientes ou espectadores vão sentir instantaneamente, pode apostar.

As filmagens de “Filhos do Fim do Mundo” aconteceram meio a ferro e fogo por conta de vários aspectos apresentados acima e os problemas foram incontáveis. Cheguei ao ponto de questionar se valeria a pena seguir em frente, mas precisei colocar a casa em ordem depois de um shot que levou 2 horas para ser preparado, tinha duração de 8 segundos, simplesmente, não ficou bom. Que o sujeito era apertador de botão eu já sabia, entretanto, houve uma série de atritos com o diretor e com a equipe quando, do nada, o DP resolveu sair dando ordem em departamentos fora de seu escopo e até mesmo dirigindo atores. Fiquei menos frustrado quando descobri que isso é algo muito comum por aqui, portanto, cuidado é preciso. No fim das contas, tudo fez o processo de edição ser muito mais complicado e a correção de cor, por exemplo, teve papel fundamental no resultado final.

A maior lição, sem dúvida, foi a compreensão de que é preciso ter um DP tão ou mais preocupado que o diretor com a qualidade visual do que ele vai apresentar. Ou seja, se todo mundo deu ok e as condições eram ideias, no momento em que alguém começar a gravar, significa que tudo que está naquela tomada está 100% de acordo com o objetivo do filme. É a responsabilidade do diretor e do diretor de fotografia combinada, a serviço da história. Um apertador de botão quer saber de enquadrar, manter em foco e gravar. No dia em que isso for suficiente, o cinema estará a caminho do buraco. É algo a se pensar. É algo que nunca vou esquecer

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

“In Time” tem uma premissa bem interessante, o que já me desperta curiosidade suficiente para assistir (tem a Olivia Wilde), mesmo com a não tão boa recepção do filme nos Estados Unidos.

No roteiro escrito por Andrew Niccol (que também dirigiu), a superpopulação é controlada através da máxima de que tempo é dinheiro. Quando uma pessoa chega aos 25 anos, ela para de envelhecer, e o cidadão ganha apenas mais um ano de vida a partir dali. Se quiser continuar vivendo, precisa literalmente comprar mais tempo.

Como o tempo é o bem mais valioso, tudo no mundo custa tempo. Para comprar um café, por exemplo, você pode ter que gastar até 3 minutos de vida. Olha o trailer.

Para promover o filme, fizeram um “viral” que mostra um cidadão cortando um parquímetro com uma serra elétrica. Seria um evento curioso o suficiente para viralizar, claro, mas o vídeo vem com assinatura no final, inclusive mostrando o contador de tempo no braço de quem está filmando. Legal, pero no mucho.

O próprio Justin Timberlake – que estrela o filme – está ajudando a divulgar, então deve garantir alguns bons milhares de views.

No Brasil o filme se chama “O Preço do Amanhã”, com estreia na próxima sexta-feira, 4 de novembro.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Integrando Ingresso.com e Cinemark, a Natura realizou uma ação nos últimos dias 16 e 17 para promover a linha Natura Plant.

Ao comprar dois ou mais ingressos pela internet, o usuário era perguntando se estava levando uma mulher no cinema. Quem respondia sim, podia gravar um vídeo que seria exibido de surpresa antes do início da sessão.

A ação aconteceu no Shopping Market Place em São Paulo. A criação é da ID\TBWA

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Esse é o presente da marca para comemorar o Halloween. O efeito Axe é o mesmo de sempre, mas mostrado aqui cheio de referências a clássicos do terror.

Consegue pescar todas?

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Você já parou para pensar o que aconteceria se aqueles filmes que se passam no futuro fossem um aperitivo do que aguarda a humanidade, já a partir de 2012? Bom, alguém não só fez isso como transformou em infográfico. Foi Michael Hobson, um inglês que por trás do Tumblr Tremulant Design. E o que ele descobriu? Que em 2035, os robôs já seriam utilizados para tarefas comuns, mas poderiam ficar mais espertos que os seres humanos.

Antes disso, em 2015, estrearia no cinema a 19a. parte de “Tubarão”. Em 2020, finalmente conseguiríamos enviar uma missão tripulada para Marte e descobrir que existe vida alienígena. Em 2054, os crimes seriam impedidos de ocorrerem com a ajuda de mutantes videntes. Os carros seriam como bolhas espaciais em 2100. E em 2688, o rock n’roll transformou o mundo em um lugar melhor.

A bem da verdade, graficamente falando este infográfico não é tãoooo legal assim. Muito pelo contrário. A ideia inicial é boa e poderia ter sido melhor trabalhada. Mas, para quem curte cinema, vale perder alguns minutos e se divertir com ele.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Você sabe porque os telefones nos filmes sempre começam com 555? Por que esse é um prefixo que não existe, e assim não vai ter nenhum abobalhado ligando e incomodando algum desavisado.

O vídeo acima é um supercut, com diversos five-five-five em filmes.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Combinando elementos dos 24 livros de Tintin, James Curran criou essa sequência de abertura não-oficial para o filme “As Aventuras de Tintin”, dirigido por Steven Spielberg.

Você não vai ver isso nos cinemas, e ainda assim é um incrível trabalho feito por fã que vai tomar um bom tempo dos outros fãs em busca de todas as referências.

Vale relembrar também a abertura “amadora” – melhor do que a original – feita para a série “The Walking Dead”.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Apesar de ser só válida para Estados Unidos e Canadá, é um bom exemplo de promoção utilizando o Facebook.

A Universal Pictures está dando 1 milhão de créditos da rede social – que serve para compra de conteúdo e itens em aplicativos – para promover o filme “Tower Heist” (“Roubo nas Alturas” no Brasil).

A ideia segue o mote do filme, e os créditos estão escondidos em páginas e anúncios do Facebook. Basta encontrar os botões “Heist” ou convidar amigos para participar para aumentar os ganhos.

Até agora, quase 650 mil Facebook Credits já foram distribuídos aos participantes: facebook.com/towerheist. A criação é da agência The Branding Farm.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

foto: Tom Newby

Clichês podem não ser a melhor das ideias para defender um ponto, mas, às vezes, são ótimos pontos de partida, então aí vai um deles: para entender melhor a realidade (ou atualidade, no caso desse texto), basta olhar para o lado e prestar atenção. Óbvio? Sim, sem dúvida. Entretanto, é nessa obviedade que constatei mais um fator da inevitável consolidação da geração YouTube. Não é nenhuma descoberta maravilhosa, mas ver os reflexos disso de forma tão marcante merece certa atenção, pois, de uma forma ou de outra, todos seremos influenciados. E o principal conceito dessa brincadeira é: precisamos de comédia em tudo?

O quão benéfica é essa enxurrada cômica? Existe mesmo tanto talento para o gênero ou é uma necessidade de mercado?

Escrever os artigos da “Escola de Cinema” se provou mais desafiador do que imaginei por um simples motivo: queria transmitir informações mais fechadas, mas estou no meio de um processo e, como a gente aprende na faculdade de jornalismo, é bobo e feio reportar algo sem ter todas as informações. Por sorte, esse problema se resolveu sozinho por conta da boa e velha prática de prestar atenção no que é dito ao redor. Basicamente, estava dando um duro danado na aula de roteiro quando uma certa mensagem era martelada constantemente – de forma instintiva e vinda de diversos backgrounds – toda vez que alguém apresentava um novo roteiro à turma.

A ficha caiu quando um aluno da Rússia e um do Japão apresentaram roteiros inegavelmente dramáticos, pesados e intensos. Eis que vários alunos comentam sugerindo coisas como “se você quiser deixar mais engraçado, faça isso; se o personagem ficar aquilo, vai ficar engraçado; talvez, se retirar o elemento X, fique mais cômico”. Depois de passado o ódio inicial pelas ideias tresloucadas, caiu a ficha. De onde vem tudo isso?

Chamei de geração YouTube por comodidade, mas essa tendência engraçadinha tem sido linha condutora forte em boa parte dos formatos de comunicação gerados pela internet. Começando pelos mini-filmes – caseiros ou não – cujo objetivo é garantir aquela risada instantânea e, claro, disparar nos hits; depois passa pelos curta-metragens, inegavelmente enveredados para o lado humorísticos para servir como plataforma mais efetiva do que, digamos, uma ficção científica ou um drama. É só para para pensar, dos filmes compartilhados pela sua timeline no Facebook ou no Twitter, recentemente, quantos eram engraçados e quantos eram sérios?

Outra vítima dessa influência é o ainda incipiente, mas valioso, podcast. Só os engraçados sobrevivem. Informação foi a base para a força dos programas no princípio, mas, de fato, quem faz dinheiro, atrai multidões e se estabeleceu com o formato – fora dos programas musicais – precisou incorporar o humor ao programa. Alguns beiram um stand up comedy improvisado. Tem gente que cria personagem engraçado, gente que lê piada semanal e etc, com o intuito de manter o ouvinte interessado, entretido e disposto a baixar o próximo episódio. Esse cenário vai além da necessidade de aceitação, tem mais a ver com o medo do fracasso e da rejeição, especialmente se considerarmos os poucos casos de sucesso financeiro do formato.

Junte tudo isso e inclua a perspectiva de cerca de 25 anos universitários, cujas escolhas para os próprios roteiros flertam com a comédia em pelo menos 85%, e cujas esperanças – como público – nos filmes dos colegas sempre pedem mais humor. Mesmo quando não há espaço para o gênero. Fica a impressão de que, de certa forma, deixamos a responsabilidade da transmissão das ideias mais densas para os longas-metragens e para os filmes indies (que, atualmente, estão batendo forte em temas como depressão, suicídio e conflitos internos), e passamos a encarar a produção online como algo mais leve, assumindo de vez a natureza curtinha e passageira.

Se essa é a vocação da produção online, que seja explorada devidamente

Nada de errado, aliás. Se essa é a vocação da produção online, que seja explorada devidamente. Desde que comecei a estudar cinema, passei a prestar atenção na produção de filmes estudantis e há muita coisa boa por ali, especialmente no Vimeo.com – é só pesquisar por student film, que vai chover coisa boa – e a mescla parece ser boa, mas, mesmo em dramas comportamentais, a presença da comédia é inegável. Isso lembra filmes de terror com aqueles sustos gratuitos, sem força dramática, mas utilizados para manter o espectador ligado na história. Tudo paliativo.

No fim das contas, esse pensamento todo levanta mais perguntas do que respostas. Justamente por considerar a comédia um dos gêneros mais complicados de se escrever, vejo esse exagero como algo perigoso e desnecessário. O quão benéfica é essa enxurrada cômica? Existe mesmo tanto talento para o gênero ou é uma necessidade de mercado? Ou pior, uma demanda superficial gerada pelo que os atuais criadores de conteúdo consideram comercial? Superexposição é sempre um problema para novas tecnologias ou formatos, basta olhar para o recente surto de filmes em 3D e sua rápida retraída. O 3D, porém, foi limitado às grandes produções por conta de seu alto custo, o que não é o caso da comédia, capaz de ser incorporada a qualquer filme ou formato.

O maior problema é estarmos diante de uma nova geração condicionada a buscar a diversão constante e pelas razões erradas. Uma das coisas que aprendemos ao escrever roteiros é que a piada – quando encerrada antes do tempo ou prolongada em demasia – perde a razão de ser. É algo similar ao desespero dos diretores em repetir o “Efeito Hitchcock” e incluir o mesmo truque de câmeras diversas vezes num mesmo filme. É necessário contexto e razão para um resultado marcante quando se fala em risadas inesquecíveis. Será que estamos mais perto desse cenário ou do puro exagero?

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Nesta semana de férias muito proveitosa, notei que estava para estrear nos cinemas novaiorquinos (mais precisamente no próximo dia 28) mais um filme da Dreamworks pertencente à saga Shrek, desta vez tendo como personagem principal o Gato de Botas.

Mas mais sensacional que o filme – que terá exibição 3D nos cinemas, dublagem do Antonio Banderas, como em todos os outros filmes, com participações de Salma Hayek, Zack Galifianakis e Billy Bob Thorton – com certeza é o comercial que está rolando nas TVs por lá. Obviamente, já na casa dos milhões de views no YouTube.

Afinal, como não ser assim com um vídeo contendo um gato em uma paródia de um famoso “viral”?

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Lembra quando a Alamo Drafthouse fez um anúncio aproveitando a reclamação de uma cliente que foi expulsa por usar o celular no cinema? Muita gente não gosta, mas pra mim esse é o aviso definitivo de “desligue a p%&$ do seu telefone e não converse na sala”. Afinal, tem gente que gosta de prestar atenção no filme.

Mas a rede de cinemas AMC, junto com a operadora Sprint, foi bem mais calma ao dar esse aviso antes do início das sessões. Quem manda o recado são os Muppets, e deixam bem claro: Desligue seu microondas e não toque bateria durante o filme.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Eu sou um filho da reserva de informática, todos meus computadores sempre foram montados no Brasil (vários lá em casa mesmo) e meu primeiro Mac só veio em 2007, sem muamba e com processador Intel, coisas inimagináveis para os maczeiros velha escola até pouco tempo antes. Por isso meu sentimento com a morte de Steve Jobs é menos de “os produtos desse cara me acompanharam a vida toda” como é o caso de vários leitores e amigos e mais pelo sentimento de perda de um cara que fez história e que impactou a vida até mesmo de que não era cliente da sua empresa.

Ontem, dia em que Steve Jobs foi derrotado pelo câncer, eu cheguei exatamente na metade da (gigantesca) biografia de Walt Disney escrita por Neal Gabler. Eu não sou o primeiro a chamar Steve Jobs de “o Walt Disney moderno” e quanto mais tenho contato com a biografia do outro gênio da criatividade mais sou levado a fazer a comparação entre estes que devem ser os dois caras que mais influenciaram a cultura à minha volta. Por isso talvez a melhor maneira de homenagear Jobs é falando de Disney.

Grandes impactos dos estúdios Disney no desenvolvimento do cinema e da animação não foram necessariamente invenções de Walt e sua equipe. Só que foram seus primeiros desenhos com som e, mais tarde, com cor que mostraram o verdadeiro potencial da tecnologia, que fizeram todo o resto do mundo olhar e pensar “Agora entendi”. E mesmo nas invenções genuinamente originais do estúdio, Walt era só a visão, a fagulha da ideia, com seus funcionários (muitas vezes incrédulos) correndo atrás para implementar.

Disney não era considerado um bom desenhista (exceto quando criança), um bom roteirista, um bom diretor… Mas ele era força por trás de cada desenho, de cada cena, de cada ângulo. Ele representava a cena para sua equipe que depois saía para tornar aquilo tudo realidade. Walt não segurava a caneta ou pincel mas ninguém é louco de dizer que os filmes não eram um fruto direto do seu trabalho e genialidade.

Walt Disney tinha, acima de tudo, a qualidade fundamental de todo empreendedor: nunca estava satisfeito com a maneira como as coisas eram feitas por outras empresas, seja lá em que área de atuação. Sempre dizia “Pensei numa maneira de fazer isso melhor”, ia lá, fazia e mostrava que (na maioria das vezes) estava certo, sem medo de errar.

Ele também nunca estava satisfeito com o que já tinha realizado. O sucesso de “Branca de Neve” — o primeiro longa-metragem animado da história — seria capaz de garantir sua aposentadoria e do irmão e sócio Roy antes de chegarem aos 40. Mas Disney não parou ali e foi fazer “Pinóquio” (sucesso de crítica mas um fracasso de bilheteria que botou a empresa de novo no vermelho), “Bambi” e “Fantasia“. Também foi construir um novo estúdio segundo o seu conceito de como deveria ser um ambiente de trabalho ideal. E tudo isso, os 3 filmes e a construção do estúdio, ao mesmo tempo.

Depois foi fazer longas com atores de carne-e-osso, mudar o conceito de parque de diversões, investir na TV… Walt Disney sempre estava pensando na próxima plataforma e na próxima revolução, sempre em frente.

Sem falar que funcionários e parceiros viam Disney como uma figura quase divina. Não era exatamente delicado no trato dos funcionários, botava a galera pra ralar o coco na ostra, mas estava preocupado em remunerá-los por seus feitos e não poupava verba para suas empreitadas criativas. Todos os funcionários o chamavam simplesmente de Walt.

É claro que isto é só um texto metido a sabichão e a história dos dois tem várias diferenças. Walt Disney era bem melhor no trato com as pessoas que Jobs e tinha uma atitude mais humilde em geral. Nunca foi colocado para fora de sua própria empresa pelos acionistas. Jobs nunca foi um cara técnico enquanto Walt chegou a trabalhar como ilustrador e animador. E Jobs nunca foi acusado de ser anti-semita. É no legado profissional, na mudança da cultura popular e na maneira de encarar como as coisas devem ser feitas que achei as semelhanças.

Não é por acaso que, nas idas e vindas empresariais de Steve Jobs ele acabou sendo o maior acionista individual da Disney. Não dá para ser Steve Jobs e não ter Walt Disney como guru. Só é triste ver que os dois só foram derrotados por esta doença maldita.

O sentimento de tristeza hoje não é pela perda de um ídolo, ou um parente. É a tristeza pela morte em si, em ver nossa fragilidade no universo. É pela perda de um cara que servia de exemplo profissional para muita gente (já que era controverso em várias outras áreas, especialmente no lado pessoal). É em ver que por mais que a gente corra atrás não vai conseguir chegar nem perto do que um desses caras conseguiram. É como ver um super-herói morrer. A vida segue, mas agora ela fica um pouco menos interessante.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Depois de “Transformers” não dá mais para reclamar de excesso de product placement nos filmes, já que Michael Bay não se faz de rogado para mostrar que a GM está bancando tudo. Mas você entende, isso faz parte da história.

Já o filme-ruim-baixo-orçamento “The Marine” de 2006, que descolou uma graninha com a strong>Miller, colocou a cerveja em tudo quanto é lugar. Claro, dá-lhe cena de bar e pessoas bebendo, mas precisava colocar a marca até nos tiroteios?

A montagem no YouTube é do greythinker101.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Você chega no cinema e se depara com uma sala lotada de motoqueiros mal-encarados. Apenas dois lugares estão sobrando.

Muitos vão embora – tem até um cara que fica com mais medo que a namorada, e praticamente se esconde atrás dela – mas para aqueles que enfrentam a situação, existe um prêmio.

A pegadinha no cinema, realizada em Bruxelas pela Carlsberg, está sendo comparada com aquela vencedora da Heineken . Mas não tem nada a ver o c… com as calças. A proposta é outra, certamente não tão brilhante, mas ainda assim bem divertida.

A criação é da Duval Guillaume Modem.

/via Buzzing Bees

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

De certo modo, a carreira de J.J. Abrams sempre foi marcante na minha jornada profissional. Quando desembarquei nos Estados Unidos em janeiro de 2008, o destino era a junket de estréia de “Cloverfield”, que deveria contar com a participação do diretor. Ele não apareceu.

Meses depois desse desencontro, Joshua Jackson mencionou algo que nunca esqueci:

“J.J. é um daqueles caras que pensa em velocidade acelerada, nunca para de ter ideias e fazer zilhões de coisas ao mesmo tempo. Você vai ver quando puder conversar com ele”.

Talvez por isso, ou simplesmente pelo respeito profissional e certa idolatria pelas ideias malucas dele, entrevistar J.J. acabou se tornando um objetivo a ser atingido com honras. Coisas de jornalista obstinado. Quase quatro anos se passaram e os ventos soaram ao meu favor, logo, tive quatro oportunidades de conversar com Jeffrey Abrams. A última delas, porém, foi especial pois, finalmente, tive uma individual (ou 1-1 como chamamos por aqui) com o sujeito e aí foi a hora de libertar o nerd cinéfilo que existe dentro de mim.

Não digo isso para me gabar nem algo do gênero, mas como compartilho da devoção pelo J.J. com o Carlos Merigo, achei legal contar um pouco dessa história para vocês entenderem as razões e circunstâncias do longo papo a seguir. Ficar empolgado também faz parte do jogo, o que não impede o exercício do profissionalismo. Nunca entendi essa história de que repórter de cinema não pode demonstrar paixão pelo que faz. Nada tira da minha cabeça que, em qualquer profissão, amor extremo pelo assunto traga muitos benefícios. Especialmente quando se sabe exatamente onde o fanboy acaba e o profissional começa.

Chega de enrolação. Com vocês, J.J. Abrams.

J.J. Abrams comanda o elenco mirim no set de Super 8

B9: Gosta do potencial do iPhone 4 para gravação de áudio? A maioria dos jornalistas já entrou na onda.

J.J.: É uma grande ferramenta. No começo da produção de “Super 8″, gravei alguns diálogos temporários no meu iPhone e mandava por e-mail para os editores e eles já encaixavam no corte. Quando estava fazendo “Star Trek”, eu tinha que ir até o set para fazer esse tipo de coisa; cada vez que precisava gravar uma fala demorava…desta vez, era só gravar e enviar.

Facilita o processo…

… bastava ligar para os atores e dizer: “pode gravar essa linha rapidinho?”. Eles falavam na hora ou então mandavam por email. No máximo, o processo demorou uns 20 minutos para ser concluído envolvendo um ator em Nova Iorque e um editor em Los Angeles. Acho que acabei usando uma dessas temporárias em “Super 8″!

O que eu mais gostei foi a assinatura visual que você trouxe. Ao mesmo tempo em que parecia tão realista, parecia desconectado da realidade com o elemento dos alienígenas. E tem também a atmosfera de Spielberg. O quanto foi difícil se afastar do conceito de aliens monstruosos e fazer um alienígena que não tem tanta cara de alienígena?

Você fala do alienígena?

Sim, o jeito como vocês conceberam a criatura foi uma boa sacada. Não fazê-la parecer completamente estranha. Isso garantiu uma atmosfera spielbergiana sem precisar fazer um bicho tão mostruoso e mais relaciovável, como os de “Cowboys & Aliens”, por exemplo.

“Eu não descarto nenhuma tecnologia, desde que encontre um bom uso para ela.”

O grande desafio do filme foi imaginar uma criatura que fosse assustadora, difícil de definir, intimidante e misteriosa – e que ainda assim, no final do filme pudesse nos surpreender. Porque as pessoas precisam ser capazes de entender a face da criatura para poderem se apegar a ela. Ela precisa, em algum nível, ser antropomorfizada, para que as plateias possam se identificar com ela. Tivemos longas discussões sobre isso.

Poderíamos facilmente imaginar um alienígena que se parecesse com uma Pirâmide (risos), mas aí não haveria como identificar se a tal pirâmide está furiosa ou assustada. Percebemos que o extraterrestre precisava ser alguma coisa que tivesse olhos e uma boca. Alguma coisa para a qual você pudesse olhar e ter uma vaga ideia do que se trata. É uma questão de gosto; algumas pessoas vão ver a criatura e dizer “é o melhor alien que eu já vi”, enquanto outras dirão “que desastre”. Quem sabe o que as pessoas vão pensar, mas nossa meta era criar algo crível, com que as pessoas pudessem se sentir ligadas em algum nível. Acho que a Industrial Light & Magic fez um grande trabalho neste filme.

Falando em crível, acabei de ver “Cowboys & Aliens”. Percebi muitas semelhanças entre os alienígenas de Jon Favreau e os seus.

Sério?

Bem, eles são grandes monstros velozes com vários braços. Mas, em vez de criar monstros semelhantes a insetos, como os de “Distrito 9″, eles seguiram pelo caminho algo bizarro de “Cloverfield”. Como é criar um novo estilo de aparência para alienígenas? Você cria as aparências dos aliens pensando em estabelecer tendências, ou segue o que lhe parece fazer mais sentido?

Nunca crio algo pensando em estabelecer uma tendência, sempre penso no que preciso para o filme.

Isso meio que responde à pergunta. Sempre levo em consideração coisas como o tom da cena, o estilo visual do filme, e enxergar do que o filme precisa. O que preciso fazer para servir à história que quero contar. Se temos uma cena com um forte senso de urgência, imagino que a câmera deva ter alguma energia por si só. Ela vai estar em movimento, nunca fixa. Se temos uma cena calma, a câmera não deve se mover muito. Se quero criar suspense e tensão, procuro me manter próximo do objeto de foco.

Existem algumas coisas que você decide em resposta às necessidades do filme; se vou usar uma câmera de mão ou fixa, qual ângulo devo usar. A criatura surgiu partindo do princípio de que precisava ser uma coisa da qual as pessoas pudessem ter medo a princípio, mas com a qual acabariam ficando ligadas com o decorrer da trama. Isso exigia uma criatura que não fosse uma coisa só; dependendo da cena, ela é bípede ou anda como uma aranha. Queríamos algo único, que você pudesse identificar pela silhueta, mas que fosse muito diferente do que você esperaria ver. Foi uma questão de perceber do que o filme precisava, e encontrar a abordagem adequada.


 Falando sobre o filme, o quanto a cena na estação de trem é autobiográfica? Eu quase chorei vendo aquilo, é brilhante. As reações… (risos)

…(risos) Essa é uma cena particularmente autobiográfica, mas o conceito de um grupo de crianças fazendo um filme em “Super 8″ foi basicamente o que eu cresci fazendo; eu e todos os meus amigos diretores. Quase todo mundo que conheço viveu isso quando criança, e essa foi uma parte da diversão de fazer este filme. Especialmente com alguém como Larry Fong (diretor de fotografia de “Super 8″), que conheço desde os 12 ou 14 anos. Era isso que costumávamos fazer.

Essa é uma parte muito autobiográfica do filme, mas claro que o que acontece depois não é. Nunca filmei numa estação de trem com uma mega explosão acontecendo atrás de mim! (gargalhadas).

 Em termos de estabelecer a cena, de viver a situação. Estou estudando cinema, então começo a entender bem como é. 
 Foi muito familiar. Quase como se você estivesse lá.

Devo que dizer que fiz algo incomum para este filme. Não li nenhuma notícia sobre a produção, só vi o teaser, e entrei na sessão pensando “vamos ver o que J.J. Abrams aprontou desta vez”.

Ainda dá pra fazer isso? (risos).

É difícil, mas possível.

Abrams, Elle Fanning, Joel Courtney e Spielberg no MTV Movie Awards 2011

Entendi todas as piadas sobre cinema que aparecem no roteiro. Mas o mais engraçado foi ver grande parte da imprensa descrevendo o filme como “uma mistura de Os Goonies com E.T.” Não tem nada de Goonies no filme, só porque é um grupo de crianças?


Tudo que fiz sempre passou por esse tipo de comparação. Quando fiz
“Alias”, a série era chamada de “versão família de La Femme Nikita”. “Lost” era visto como uma mistura de “Arquivo X” com “Survivor”. Obviamente, “Missão: Impossível 3″ e “Star Trek” não tiveram esse problema; foram comparadas ao que já havia sido feito nas franquias. Tudo é comparado, e ano que vem surgirá uma série que alguém vai comparar a “Alias”. Ou algum filme de ET que será comparado a “Super 8″, e aí meu filme se torna algo cool. Vai entender.



É até meio absurdo, porque eu não vi nada de “Os Goonies” no seu filme. Nem a sensação de aventura que “Os Goonies” tinha; trata-se de um filme de monstro, e as crianças estão em perigo de verdade. Você mudou alguma coisa no seu trabalho quando começou a ouvir esse tipo de comparação?

Entendo que as pessoas precisem comparar coisas que elas não conhecem com coisas que elas conhecem. Faz todo sentido. Mas eu sempre rio quando vejo esse tipo de coisa, porque uma novidade futura sempre acaba sendo comparada ao que você fez. Nesse momento é minha vez de perguntar, então estava certo na primeira vez? (risos).

J.J. Abrams e George Lucas. (Foto: Joi Ito)

Basta ver o que acontece hoje, quando as pessoas comparam tudo a “Lost”. 


Sim, mas… enquanto estava trabalhando com Steven (Spielberg) na história, perguntei a ele se uma trama com evacuação de cidades e conspiração do governo não seria semelhante demais a “Contatos Imediatos do Terceiro Grau”.

Acredito que o ponto seja que muitos jornalistas americanos disseram que a presença de crianças no filme é algo que Steven sempre fez, assim como Steven foi influenciado por (François) Truffaut e outros cineastas. Existem influências, e influências das influências.

Talvez parte disso tenha a ver com o fato de que as pessoas sempre esperam por um filme de criatividade extrema, com uma história completamente nova… mas isso nunca vai acontecer, já que todas as histórias já foram contadas. As pessoas sempre esperam por algo que não acontece.

Isso tem a ver com vários fatores. Todo mundo é um crítico agora, e todos os filmes estão disponíveis para serem usados como referências. As pessoas sempre estão comparando filmes a outros filmes; elas dizem que querem algo diferente, mas quando surge um filme inovador como “A Origem” reclamam que “é muito confuso”. Sempre há algo para criticar. “Esta tomada é muito monocromática”, “o roteiro tem camadas demais”… entendo que as pessoas comparem e critiquem as coisas, porque eu mesmo também faço isso. Mas ao mesmo tempo, quem quer apenas criticar sempre encontra algo.



Abrams no set de Star Trek

Num artigo que escrevi para a edição brasileira da Rolling Stone mencionei o fato de como você e outros, poucos, diretores estão liderando uma onda para trazer novas ideias, mudar um pouco as coisas. Uma coisa que mencionei foi como, em “Star Trek”, você foi um dos únicos a realmente olhar para o espaço. E agora, em “Super 8″, você traz os aliens para a Terra. Eu estava discutindo essa tendência com James Cameron alguns dias atrás: por que a ficção científica parou de mostrar o espaço e começou a se concentrar em trazer as ameaças para a Terra? Vimos isso em filmes como “Distrito 9″, “Super 8″… e mesmo em “A Origem”, em que a mente humana serve de cenário.

Primeiro… bem, eu não sei. (risos) Segundo, parte disso tem a ver com a paranoia. Alienígenas ameaçadores diante de nós.



A sensação de que estaríamos sendo observados.

“Executivos olharam para as contas de um filme como “Cloverfield” e disseram: ‘Olha só, eles fizeram isso por US$ 20 milhões!’”

Exatamente. Além disso, a tecnologia que prometia viagens espaciais, e que nos levou à Lua e era vastamente divulgada não só em publicações científicas, mas em ficção científica entre os anos 30 e 60, nunca se tornou realidade. Um dos meus episódios favoritos em “Além da Imaginação” era o piloto (Where is Everybody?). Ele mostra Earl Holliman acordando sozinho numa cidade, e ao final do episódio você descobre que ele está passando por um teste antes de ser enviado ao espaço – mas agora terá que ser levado para um hospício, porque enlouqueceu no decorrer do episódio. Enquanto é carregado pelos médicos, ele olha pra Lua e diz “da próxima vez, não vai ser um teste”.

De qualquer forma, esse processo é cíclico. Faz sentido pra mim que os filmes venham para a Terra, ainda que eu pense que isso começou quando os executivos olharam para as contas de um filme como “Cloverfield” e disseram “olha só, eles fizeram isso por US$ 20 milhões”. Acredito que seja um jeito mais barato e menos óbvio, e até por isso é inevitável que voltem a fazer filmes com humanos indo ao espaço, em vez de aliens vindo à Terra.

Os cabeças da produtora Bad Robot: Abrams, Damon Lindelof, Carlton Cuse, Alex Kurtzman, Roberto Orci e Bryan Burk

Como você encara esse momento para o gênero e qual a função de “Fringe” nesse cenário?


De onde você tira tantas perguntas boas? (risos). Cada dia mais, a ficção científica se transforma na nossa vida cotidiana. Por exemplo, quando trabalhamos em ”Fringe”, constantemente lemos matérias bizarras sobre acontecimentos reais e também acompanhamos discussões sobre novas possibilidades descobertas pela comunidade científica, sejam testes, teorias ou mesmo produtos sendo aprovados para uso.

“Fringe” é claramente algo fora do normal, uma vida cotidiana bastante incomum, mas cujo sentimento é de estarmos lidando com teorias científicas sem pensar “isso vai acontecer daqui centenas de anos”, mas imaginar suas aplicações imediatas. Não tentamos simular os resultados de Além da Imaginação, por exemplo, uma série que amo de paixão, ao investigar alienígenas e elementos claramente sobrenaturais, ou mesmo Arquivo-X. Pode-se pensar: tudo isso é absolutamente improvável, entretanto, isso não torna o assunto impossível. É isso que me atrai na série, pois passamos a impressão como é viver num mundo de ficção científica, sendo que, na verdade, é exatamente onde já vivemos.

Quando “Cloverfield” foi lançado, eu lembro de ouvir você dizer que queria mostrar às pessoas que americanos podem fazer um bom filme de monstro. Você sente que isso foi alcançado?

Quando eu estava no Japão, foi uma inspiração para mim ver que…bem, eles têm o Godzilla. E o Godzilla ainda é uma figura tão relevante lá.

Ele está na TV até hoje.

E é muito legal fazer um filme de monstro que não precise do Godzilla para funcionar, mas que siga o mesmo estilo. “Cloverfield” foi meio assim. A ideia de fazer algo quase artesanal, filmado com uma câmera caseira, foi fundamental para o que nos propusemos, e funcionou muito bem. Sou um grande fã de criaturas e monstros, e existe muita coisa nesse estilo que eu ainda gostaria de fazer. Claro que nem tudo que eu faço precisa ter monstros, mas desde criança eu sempre adorei os filmes de Ray Harryhausen e os monstros dos anos 50 e 60. Adoro todos eles. Quando eu era criança não havia DVDs, então nós líamos livros sobre filmes de terror para conhecer os filmes, cartazes e histórias.

Devemos esperar que o novo “Star Trek” seja lançado em 3D? (Por favor, diga “não”.)


Eu não descarto nenhuma tecnologia, desde que encontre um bom uso para ela. Ainda estamos trabalhando no roteiro, então é meio cedo para falar sobre isso. Sei que “Star Trek” em 3D poderia ficar muito bom visualmente falando, mas isso não pode ser o objetivo do filme. A história que eu resolver contar não pode ser diretamente influenciada pelo número de dimensões em que o filme será rodado. O importante é se concentrar nos personagens, nas condições e credibilidade do filme. Se acontecer de filmarmos em 3D, tem que ser porque temos grandes ideias de como usar esse efeito, e que isso seja a coisa certa a fazer.

Parte de mim adoraria brincar com o 3D só pra ver como ele funciona, mas eu não sou um grande fã da tecnologia pela tecnologia.


Você tem gostado do que viu em 3D até agora?


Acho que Michael Bay criou um visual muito bom em “Transformers: O Lado Oculto da Lua”. Mas o fato é que existem poucos bons filmes em 3D que eu possa citar: “Avatar”, “Transformers” e “O Expresso Polar”. Três filmes que usaram essa tecnologia de um modo espetacular. A maioria do que eu tenho visto, porém… adorei o último Harry Potter, mas não fez diferença tê-lo visto em 3D. Houve uma ou duas cenas em que o 3D realmente foi bem usado, mas fora isso eu me peguei pensando que estava vendo um ótimo filme em 2D. Eu não recomendaria vê-lo em 3D.

Abrams com o elenco de Fringe

Falando um pouco sobre TV, atualmente, qual seu papel em “Fringe”? Manda-chuva controlador ou ombro amigo?

(risos) Meu trabalho é estar disponível quando sou necessário. Seria muito destrutivo ficar me intrometendo e mudando tudo. Sempre penso muito no nível de envolvimento, pois posso facilmente começar a impor meus desejos e até que ponto vou permitir aos produtores fazerem seu trabalho? Não me sinto confortável ao dizer que os produtores comandam o programa até o momento em que eu resolva mudar tudo. Leio todos os roteiros e vejo todos os efeitos visuais, mas evito ser como produtores com quem já trabalhei que passavam a semana fora e, quando apareciam, detonavam absolutamente tudo que havia sido feito. É impossível manter uma equipe motivada dessa maneira, pois sabem que tudo precisará ser refeito, não importa a qualidade.

A quantidade de projetos com os quais você está envolvido te transforma numa espécie de Jerry Bruckheimer dedicado à ficção científica? Aliás, quando você consegue dormir?

(risos) Mais do que todo mundo imagina, menos do que eu gostaria. (risos) É impossível estar presente em seis programas ao mesmo tempo, mesmo Bruckheimer – um sujeito que conheço há anos, com quem já trabalhei e que admiro além da imaginação – pode fazer isso. É um erro brincar de fantoche e tentar controlar todas as cordas. Fato: parece que estou implantando dedos novos (risos), mas confio no meu pessoal. Damon [Lindelof] está escrevendo o segundo ”Star Trek” com Alex [Kurtzman] e Bob [Orci]. Bryan Burk é meu parceiro de produção em todos os projetos e Jeffrey [H. Wyman] controla muito bem o desenvolvimento de Fringe.

Acredito na definição de uma equipe competente, acima de qualquer crença na minha qualidade individual.

O quão importante são esses aliados na hora de ter novas idéias, então? Elas surgem e você comenta com eles ou há espaço para colaboração bilateral em todos os aspectos?

Boa pergunta. Dou muito crédito ao pessoal que trabalha comigo, pois, inevitavelmente, muitas das idéias não são minhas. Como todo roteirista, sempre que tenho contato com uma idéia, reajo de maneira diferente e tenho idéias de como ela poderia ser desenvolvida. E isso varia do desejo de fazer algo diferente, familiar ou até mesmo esotérico. Às vezes, alguém sugere algo que tenha apenas três silabas e eu já tenho uma reação para o conceito, simplesmente por achar que seguiriam outro caminho. Aí contam tudo e acho legal, mas aí digo: pensei que você faria tal e tal coisa. É alquimia. É basicamente a mistura de diversas reações e estímulos tanto físicos quanto circunstanciais para uma ideia.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Trancado dentro da “casinha” no Velho Oeste e sendo interrogado por uma garota de 14 anos, Jeff Bridges nem precisou mostrar o rosto para demarcar território em “Bravura Indômita”, dirigido pelos irmãos Coen. O personagem rabugento, ranzinza e isolado, que já foi interpretado por John Wayne, poderia ser reflexo da vida do vencedor do Oscar de Melhor Ator de 2010, mas se há um consenso em Hollywood é que Bridges é o mesmo sujeito bonachão, meio avoado e carismático desde o início de sua carreira. E não restam dúvidas quando ele abre sua carteira para mostrar seu item mais querido: uma foto da esposa, com quem foi fotografado no momento em que levou seu primeiro fora, há 37 anos.

“Estava filmando Rancho Deluxe, em Montana, vi uma garota linda, mesmo com o nariz quebrado e a chamei para sair; ela disse não! Alguém da produção do filme tirou a foto naquele instante. Quinze anos mais tarde, o maquiador me mandou uma carta com a foto”. Bridges carrega o retrato desde então, inclusive quando sobe ao palco para dar vazão a outra paixão, a música, com o lançamento do CD “Be Here Soon”.

Mesmo assim, não se considera um romântico. Pelo menos não no sentido idealizado do termo. “Isso é coisa do meu irmão [o também ator Beau Bridges]! Ele sabe comprar presentes e armar jantares íntimos. Nunca fui bom nisso”, admite Jeff Leon Bridges, aos 61 anos, em entrevista exclusiva ao nosso correspondente.

“Depois daquele primeiro encontro, pensei ‘bem, é uma cidade pequena, talvez a reencontre. A profecia se realizou um tempo depois e a encontrei num bar, dançamos e o resto é história”.

Se falta talento no jantar a luz de velas, sobra em trabalhos icônicos no cinema, coisa de berço, aliás. Filho do falecido Lloyd Bridges – cuja carreira começou nos westerns, mas ganhou notoriedade na TV e especialmente nas comédias – como “Apertem os Cintos O Piloto Sumiu” e “Top Gang: Ases Muito Loucos” – Jeff sempre atuou e cantou, como, por exemplo, no imperdível “Susie e os Baker Boys”. Parando para pensar, o lançamento de um CD próprio até que demorou. “Cantar e tocar violão sempre foram importantes para mim. Mais como um passatempo criativo do que mais nada, mas sempre fiz questão de praticar em público quando o papel pedia. É algo que levanta meu espírito, cara”, conta.

Antes de mais nada, ele é o que se chama de “working actor”, a seleta camada de atores normalmente empregados e capazes de sobreviver às custas de sua atuação. “Muita gente pense que o simples ato de fazer um filme, e o meu nome dos créditos, garante sua exibição, mas a quantidade de coisa boa que acaba sendo lançado diretamente em DVD é imensa. Tínhamos medo de que isso acontecesse com ‘Coração Louco’ [filme que lhe rendeu o Oscar]”, comenta.

“Reconhecimento é importante. Não há sensação melhor, profissionalmente falando. Mas ele só acontece se as pessoas vêem o seu filme!”.

Teoricamente, Bridges não precisaria se preocupar com visibilidade. Filmes como “O Grande Lebowski”, “Tron: Uma Odisséia Eletrônica”, “King Kong”, “Starman: O Homem das Estrelas” e o recente blockbuster “Tron: O Legado” garantiram seu lugar numa Hollywood cada vez mais carente de verdadeiros astros. “Fazer um filme é um compromisso que te leva além da morte, sabe; pois o resultado é algo duradouro”, filosofa.

A barba e os cabelos grisalhos dão força ao momento guru, escutar e aprender é inevitável: “Como falamos em ‘Bravura Indômita’, é preciso saber levar as coisas até o fim, cumprir suas metas. Sei que estou no caminho das minhas, pois quando vejo minha filmografia sinto orgulho pelo que fiz, sinto vontade de assistir àqueles filmes. E minha melhor meta é corresponder às oportunidades que recebo, e aceito. Ganhar Oscar nunca esteve nos planos, mas não quer dizer que nunca tenha pensado nele ou ficado feliz quando ganhei. Estou nessa pelo desafio do trabalho, ainda mais com essa idade toda”.

“Recusei o roteiro de ‘Coração Louco’ na primeira vez que me ofereceram.”

São reflexões de alguém nascido em Los Angeles e imerso no entretenimento desde os primeiros passos. Com mais de 75 filmes e programas de TV na extensa filmografia, Bridges pode não ser romântico, mas tem suas paixões. Susan Bridges, sua esposa, é a maior delas, ao lado dos três filhas, incluindo Jessica Lily, de 27 anos, que foi sua assistente pessoal nas filmagens de “Bravura Indômita”.

“Sempre tento trabalhar com meus amigos e minha família, então, dessa vez pude convidar Jessie para ser meu braço direito”, explica. “Passei tanto tempo longe delas na infância por conta do trabalho e, agora que posso exigir algumas coisas, faço de tudo para ficar com elas. Passamos 12 semanas juntos. Meu Deus, como ela é boa! Fiquei impressionado e como ela é música, também pudemos tocar juntos e curtir aquele tempo”. Cantora, compositora e talentosa no violão, Jessica se apresentou em shows organizados pelo pai em Austin e Santa Fé.

Os Bridges são uma família talentosa em diversos aspectos e a música é um deles. Guitarrista de mão cheia e cantor “que dá para o gasto”, conforme auto-avaliação, Jeff já exibiu seu talento em diversas ocasiões, inclusive no trabalho que lhe rendeu o Oscar, mesclando atuação marcante e boa música. “Recusei o roteiro de ‘Coração Louco’ na primeira vez que me ofereceram, sabe. Não havia música envolvida na primeira idéia e perdeu o sentido para mim, mas foi aí que recebi uma ligação do meu grande amigo T. Bone Burnett, ligou perguntando, pois havia sido convidado também. Quando ele falou que estava pensando em algumas letras e daria para mudar aquela idéia, topei na hora!”. Burnett é produtor de Gregg Allman, Elvis Costelo, John Mellencamp e lançou o último álbum de Willie Nelson, Country Song, além de ter comandado The Union, a impecável parceria entre Elton John e Leon Russell.

“Há uma história magnífica por trás de The Union, pois Russell era ídolo de Elton e ele resolveu apoiá-lo nesse retorno à música. Só de pensar me sinto mais humilde e agradecido a quem me ajudou na vida”.

Burnett e Bridges estreitaram a relação durante as filmagens de “O Portal do Paraíso”, em 1980, um fracasso de bilheterias produzido pela United Arts e dirigido por Michael Cimino. “Confio em T. Bone desde aquela época e sei da qualidade de suas músicas, mas, cara, demora para encontrar a mistura correta e até aprender a cantá-las como se as cantasse minha vida toda foi algo maluco. Fiz isso em 24 dias, cara! Foi insano!”, brinca Bridges, para quem o termo “cara” funciona praticamente como pontuação obrigatória em suas falas. É uma situação paradoxal para essa dupla, envolvida no filme acusado de ter “matado os faroestes no cinema”, mas igualmente vinculada ao sucesso de “Coração Louco” e, no caso de Bridges, o porta-voz do retorno do gênero às telas com o recente “Bravura Indômita”.

“Muita gente reclama de ‘O Portal do Paraíso’, mas ainda bem que estavam errados em dizer que o faroeste tinha morrido, cara”, comenta o ator, coçando levemente a barba. “Clint [Eastwood] ajudou muito o gênero com ‘Os Imperdoáveis’. Faroestes são maravilhosos e sempre brincava de caubói em casa, especialmente quando meu pai voltava das filmagens todo paramentado e eu chamava meus amigos para ver o figurino. Eu ficava brincando com o distintivo e tal. Era mágico, cara!”

Jeff Bridges e os Irmãos Coen

Seguindo o exemplo sempre presente de Lloyd, Jeff incentivou as filhas a explorar seus talentos artísticos pelas mesmas razões do pai. “Ele nunca forçou ninguém ou teve planos de enriquecer às nossas custas, meu pai nunca pensaria nisso. Era apaixonado pela atuação e por tudo envolvido no entretenimento e isso era descarado. Crescemos vendo esse exemplo de devoção e aí ficou meio difícil pensar diferente”.

Entretanto, isso nunca evitou um confronto profissional – existente apenas na cabeça de Jeff – entre ele, o pai e o irmão. “Mesmo assim eu resisti por um tempo. Era aquela rebeldia juvenil, inevitável. E abraçar a idéia foi uma das melhores coisas da minha vida, assim como aprender com seus erros”.

Dono de um rancho em Montana e hábil com cavalos desde Wild Bill, em 1995, Jeff Bridges sempre procurou manter contato com a vida mais natural e tranquila. Praticamente uma aberração em Hollywood, onde o hi-tech e o gadget do momento tem guiado a vida dos famosos. Bridges usa iPod, mas medita pelo menos uma hora por dia! Vê-lo em “Tron: O Legado”, quando o personagem se revela meditando profundamente e tentando manter uma “atitude zen” é o maior retrato dessa figura carismática e intensa.

“Reservar um momento para parar, sentar e ganhar consciência sobre o que acontece à nossa volta é fundamental. Nada daquela história de limpar a mente e tal, na verdade, o objetivo é compreender os pensamentos que saltam durante a meditação e afastá-los, para então poder perceber as coisas maravilhosas à sua volta. Viver nesse turbilhão de idéias pode te aprisionar”, ensina.

Esse pensamento se reflete nas escolhas profissionais de Bridges, que aceitou o trabalho em “Tron: Uma Odisséia Eletrônica” por conta da natureza arrojada da tecnologia envolvida e retornou décadas mais tarde sob a mesma égide.

“Atuamos sem câmeras, cara! É a nova fronteira. O faroeste costumava mostrar isso, mas, falando em atuação, o jogo mudou com essa captura de movimento ou seja lá qual for o nome atual para esse sistema”.

Em “Tron: O Legado”, Bridges se viu rejuvenescido graças à construção de um personagem digital inspirado em seus movimentos, mas com sua fisionomia da década de 80. “Passamos muito tempo da nossa vida esperando por inspiração, às vezes, enchendo a cara ou buscando a perfeição. Quando cai a ficha, você percebe que nossos erros vão nos seguir em qualquer lugar ou sociedade, seja na realidade ou no mundo virtual. Reagir pode ser mais recomendável do que ponderar, assim é a vida”, analisa.

“O mundo está meio esquisito, com novas dinâmicas e necessidades, cara. Precisamos descolar alguns mitos novos, não acha?”, pergunta como se ignorasse a importância de sujeitos como O Cara, de “O Grande Lebowski”, o extraterrestre de “Starman”, o próprio Kevin Flynn, de “Tron”, e o recente Rooster Cogburn, um agente federal bebum em “Bravura Indômita”, cuja primeira versão cinematográfica rendeu o único Oscar a John Wayne, em 1970.

“Fazer um filme é um compromisso que te leva além da morte; pois o resultado é algo duradouro.”

Sua carência mítica poderia ser mais ligada ao mundo real, cada vez mais desprovido de grandes heróis, ainda mais depois da clara insatisfação dos norte-americanos com as dificuldades do governo de Barack Obama. Mas a mente de Bridges, mesmo sem meditar ou fazer cerimônia, estava dedicada a um grande pote de sorvete Häagen-Dazs, um de seus prazeres proibidos. “Esse é meu último pote antes de voltar a controlar o peso. Comi muita porcaria gostosa para engordar nos últimos papéis, especialmente comida salgada para ficar mais inchado. É um barato, mas faz um mal danado! Saca? Adoro esse sorvete!”. Era hora de deixar o hotel beira mar em Santa Monica, enquanto O Cara se despediria do quitute. O pôr-do-sol era, literalmente, coisa de cinema.

O clima de tristeza e melancolia pelo fim da entrevista diz mais respeito à indústria do que à conversa em si. Jeff Bridges curte um momento profissional fantástico, não poderia estar mais feliz com sua família e, mesmo assim, é um sujeito com quem se pode conversar durante horas sem o papo ficar chato ou mecânico. É um ator ainda apaixonado pelo ofício e com opinião própria, algo raro de se encontrar na Hollywood do novo milênio. Ele é fino representante da realeza cinematográfica, mas, pode apostar, alguém esqueceu e dizer isso a ele. Afinal, O Cara aguenta.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Pronto para ver um gênio criando? No vídeo acima você poderá confrontar as apostas de Sir Arthur C. Clarke (1917-2008) com as suas expectativas de futuro. O criador de “2001. Uma odisseia no espaço”, solta sem mais nem menos vaticínios exatos de como será o mundo das comunicações, negócios e vida cotidiana. O que mais me impressionou:

Falo sério quando acredito que cirurgiões em Edimburgo poderão operar o cérebro de um paciente na Nova Zelândia…

Em tempo: em 2001, cirurgiões na California operaram pacientes em Roma. Uma odisseia no tempo? Para mim funcionou como o paradoxo D. Pedro II, conhecem? O filho mais velho do que o pai pois assim foram registrados pela história? Então, ver do passado seu presente registrado como futuro é, no mínimo, perturbador.

Via: OpenCulture

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Bilbo Bolseiro foi sábio ao nos alertar sobre os perigos do simples ato de colocar o pé fora de casa. Embora tenhamos uma boa ideia e, na maioria dos casos, realizemos a tarefa planejada, os meandros da simples tarefa de ir do ponto A ao ponto B podem ser surpreendentes, cheios de novidade visual, intelectual e, claro, epifanias malucas.

Sinto-me exatamente assim toda vez em que um dos meus professores começam a falar, no curso de cinema da Los Angeles City College, onde curso cinema desde janeiro desse ano. Mais de uma década depois de me formar em jornalismo, encarei esse retorno aos estudos para realizar sonhos e construir novos mundos, entretanto, quem está sendo reconstruído sou eu por conta de posturas inesperadas dos professores. Ainda há esperança!

[Um breve parênteses, antes de mais nada. Já escrevi uma série de artigos sobre as primeiras matérias do curso – e a adaptação ao sistema de ensino público norte-americano. Esse novo projeto de vida, por assim dizer, já rendeu dois filmes. Esse e esse aqui, que, por enquanto, só tem o trailer. A partir de agora, a iniciativa passa a integrar o Brainstorm9 e a formação acadêmica em cinema é o foco.]

A LACC é uma universidade pública municipal cujo principal objetivo é capacitar a força de trabalho local a custo baixíssimo.

Já devidamente adaptado ao sistema de ensino público norte-americano e familiarizado com a universidade depois de quatro matérias, o início do ano letivo começou com outro pique (para saber sobre o semestre anterior, leia as outras matérias desse projeto). No menu de aulas selecionadas estão: direção de fotografia, direção, atuação/teatro e roteiro. Ou seja, o backbone do trabalho na linha de frente do cinema. Depois de torrar um bocado de dinheiro com os filmes no começo do ano, resolvi organizar as matérias de modo a não precisar gastar nada e concentrar no aprendizado da cadeira de diretor, não na prática em si. Bem, pelo menos foi o que pensei. Muita teoria agora, bastante diálogo e preparação para o ano que vem, quando concluo o curso. Bastou meia semana de aulas para meus sonhos entrarem pelo cano.

Fato, não vou precisar produzir nenhum filme e gastar dinheiro com fantasias, locações, passagens aéreas, equipamento e etc, por outro lado, a carga de trabalho é infinitamente maior do que nas matérias básicas. O resultado da primeira semana foi a seguinte lista de “deveres de casa: dois roteiros de curta-metragem (5 e 10 min), duas cenas para teatro (na qual terei que interpretar, vixe!), um monólogo para teatro, uma cena de cinema (que deve ser ensaiada e apresentada à classe com atores externos) e, fechando com chave de ouro, duas “foto novelas” e um mega trabalho de direção de fotografia que vai exigir um bocado do tapado tecnológico que vos escreve.

Muita coisa pro velhinho, com certeza. Mas – e sempre tem um mas! – estou delirando de alegria. A razão é simples. Deixei para trás os professores do básico meio que cumprindo tabela e dei de cara com os profissionais da área, gente que vive (ou viveu) do cinema, e ainda é totalmente apaixonada pela coisa. A maior surpresa foi o discurso de abertura da aula inaugural de Teatro, comandada por Fred Fate. Boa parte da aversão à atuação – por pura incompetência no ofício, que fique claro; não tenho nada contra atores – foi embora conforme o sujeito falava sobre sua ligação com a inspiração; da importância do teatro no destino de cada um; na beleza dessa prática como arte; e em sua relação com o público, mas, acima de tudo, com o sentido de propósito necessário a um ator em cada momento de sua vida. Sério. Fiquei emocionado.

Essa é uma das vantagens de se dar sorte, pois Fate é o chefe da cadeira de Teatro na LACC – onde a série “Community” é filmada, aliás – e resolveu pegar a aula introdutória como despedida acadêmica antes de sua aposentadoria, no ano que vem. Esses caras gostam de sair deixando um bom legado. Como disse, dei sorte. No lado oposto, trombei com um diretor de fotografia relativamente novo chamado Christopher Rossiter, completamente apaixonado pelo que faz e tão envolvente quanto linha dura. Nunca esperei ouvir uma defesa tão linda sobre o ato de contar histórias vindo de um diretor de fotografia. Ouvir o cara falando sobre as responsabilidades do DF, da obrigação de saber dramatizar uma cena e da forma ideal do posicionamento em relação ao diretor e ao resto da equipe marcou de forma tão intensa quanto as porradas à preguiça gerada pelo avanço da tecnologia. Rossiter contou:

“Um dia ouvi um Diretor de Fotografia dizendo que filmava no automático. Só disse que ele não era DF coisa nenhuma, mas queria era meter a mão na cara do infeliz.”

Claro, muito é armado para demarcar território, mas gostei do clima. Tive alguns professores assim no curso de jornalismo, mas a maioria estava no automático o tempo todo.

Esse tipo de coisa faz a diferença, sabe? Especialmente por serem habilidades extremamente criativas e cheias de especificidades técnicas. É preciso provocar o maior grau de envolvimento dos alunos para transmitir a mensagem. Especialmente em tempos de tanta crítica ao sistema educacional e, como vi num vídeo recente com Matt Damon, pessoas achando que professores são acomodados. Não houve algum político acéfalo brasileiro falando bobagem nesse aspecto também? De que professor deveria trabalhar por amor a causa e ganhar pouco mesmo? Pois é.

Bem, essa situação chamou a atenção dentro de um contexto essencialmente interessante. A LACC é uma universidade pública municipal cujo principal objetivo é capacitar a força de trabalho local a custo baixíssimo e, na maioria dos casos, com programas de bom nível. Com isso, o desempregado que busca outra área de trabalho pode se preparar e até mesmo os moradores de rua e pessoal de renda nula podem estudar. Isso resulta em um bocado de malucos espalhados pelo campus e nas aulas, mas não incomoda… muito.

O espírito desse semestre parece se concentrar no treinamento. Todos os professores querem transmitir um aspecto da profissão, no que aparenta ser uma boa mescla entre palestra, leitura e prática. Conversei com alguns colegas e todos compartilham a sensação de serem tratados como aprendizes, não como estudantes. Nunca tive essa perspectiva no jornalismo. Com os professores, fui estudante até o dia de me formar (embora já trabalhasse efetivamente na redação do Estadão desde o primeiro ano). Aqui, talvez pelo fato de muita gente ter bagagem ou trabalhar na área, e muitos já terem diplomas em outras áreas, a relação seja outra.

Ponto é, tô empolgadão e olha que não vou fazer nenhum filme dessa vez. Aliás, trata-se de reflexo direto dos erros e falhas de treinamento constatadas ao longo das filmagens e edição de “When It Ends”. De certa forma, estava maluco para ter esse treinamento antes de voltar a acender as luzes e ligar a câmera novamente. Preparação é tudo, fato.

A cada semana, voltarei com textos mais específicos sobre as técnicas apresentadas, conceitos mais relevantes e boas ideias apresentadas por professores e colegas até dezembro. Por hora, fica a sugestão dos livros que serão utilizados e referenciado nos próximos artigos. Clique nas imagens para ver na Amazon:

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Poucas marcas merecem um filme de verdade, a exceção é quando seus donos se envolvem em escândalos cinematográficos. Nesse caso, a inspiração para a narrativa é um crime hediondo.

Gerard Adriaan Heineken fundou em 1864 a sua cervejaria. Porém, foi nas mãos de seu neto, Alfred Heineken, que a marca se tornaria um império presente em mais de 150 países, exatamente um século depois.

Em novembro de 1986, no caminho de tornar sua cerveja uma marca global, Freddy Heineken foi sequestrado. Junto com seu motorista, permaneceu três semanas em cativeiro e penou nas mãos dos criminosos.

O filme “The Heineken Kidnapping” vai contar essa história real nos cinemas, dirigido pelo holandês Maarten Treurniet e protagonizado pelo eterno replicante Rutger Hauer. O longa estréia na Holanda no dia 27 de outubro, mas ainda sem previsão para o resto do mundo.

O trailer abaixo é no idioma da terra-natal da Heineken, mas dá para sacar o estilo do thriller policial:

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

A carreira das Torres Gêmeas no cinema foi mais duradoura do que muito ator revelação, mas ainda assim a sensação é de que durou pouco, muito pouco. De 1969 a 2001, o vídeo acima compila as principais aparições do World Trade Center em filme, seja apenas uma pontinha ou como parte essencial do roteiro.

A edição é de Dan Meth.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Dr. Strangelove

Os GIFs animados cinematográficos chegaram na obra de Stanley Kubrick

Criados por Gustaf Mantel, as imagens capturam momentos célebres de alguns dos mais importantes filmes do mestre.

Veja a coleção completa em iwdrm.tumblr.com

2001

2001

Laranja Mecânica

Laranja Mecânica

O Iluminado

O Iluminado

Full Metal Jacket

/via FastCo

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

No passado, os diretores de filmes de ação se preocupavam em situar o espectador em cada cena. Todo movimento de camera tinha um propósito, cada composição era orientada para nos fazer entender o que se passa na tela.

Porém, nos últimos anos, o cinema de ação tem mudado completamente para um estilo de edição rápida, hiperativa e exagerada. Os blockbusters contemporâneos confundem os espectadores com camera tremida e interferências na tela – efeitos muitas vezes adicionados na pós-produção – resultando em um excesso que nos deixa incapazes de sequer reconhecer a posição dos personagens.

Isso é o que o cineasta Matthias Stork descreve como cinema baseado no caos, em um artigo escrito no blog Press Play. Stok argumenta que a única coisa que nos faz perceber algum sentido nessas cenas é a trilha sonora, e o “chaos cinema” não é restrito apenas aos momentos de ação, mas também em cenas de diálogo.

Nos dois vídeos abaixo ele compara os filmes do passado com os atuais, com um ponto de vista dos motivos dessas escolhas estéticas. O cinema do caos é popular e comercial, mas Stok também expõe exemplos de filmes que conseguem alcançar perfeita harmonia de narrativa, ação e envolvimento do espectador.

Os vídeos estão em inglês sem legendas, mas se você preferir pode ler a transcrição (também em inglês) no Press Play.

Acho esse tipo de debate fascinante, e perdi a conta de quantas vezes me cansei e passei a olhar no relógio dentro cinema por estar completamente entediado com esse tipo de cena, e que geralmente dura longos minutos. Se Terrence Malick exagera no cinema contemplativo, tem muito diretor atual pesando a mão no MichaelBay-TonyScott-style.

/via SlashFilm

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Junto com o teaser de “Jogos Vorazes” (The Hunger Games) revelado ontem durante o VMA 2011 da MTV, a Lionsgate lançou também um site viral – estilo o que revelou o vilão de “The Dark Knight Rises”.

Você se conecta com o Twitter, e o seu avatar ajuda a formar uma imagem misteriosa. Colabore no thecapitol.pn.

Baseado na obra de Suzanne Collins, o filme tem estreia prevista para 23 de março de 2012. Abaixo o teaser:

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Clássico é um negócio complicado. Alguns são importantes pela qualidade, outros pela coragem, alguns pelas duas coisas, mas, discussões sobre relevância à parte, eles existem e precisam ser respeitados. Certo? Idealmente, sim. Na prática, não. Especialmente quando falamos em cinema.

Quando o termo “homenagem” foi institucionalizado para acobertar as agressões hollywoodianas a grandes filmes do passado, a festa do caqui começou com a temida onda de remakes – que de onda não tem mais nada, afinal, já dura, pelo menos, 15 anos – e as seqüências e prequels. Vale tudo para explorar franquias de sucesso e cujo nome, em tese, garantiria boas bilheterias. É Hollywood se mostrando covarde ao extremo e, literalmente, quem paga pelas macacadas deles somos nós.

No caso mais recente, “Planeta dos Macacos: A Origem” retoma o clássico de Pierre Boulle depois da repelida adaptação de Tim Burton, entre na onda as “reimaginações” e levanta mais perguntas do que, de fato, responde. As duas principais envolvem um tema fundamental para o Brainstorm9: criatividade!

Se há perguntas, vamos a elas: até que ponto uma franquia resiste a tantos reboots; e o que vale mais, sucesso comercial ou integridade intelectual? Pelo conceito dos filmes clássicos, o levante dos símios como raça dominante foi possível pelo nascimento de César, o grande líder e modelo para incontáveis gerações de primatas sapientes. Porém, ele só nasceu graças à viagem no tempo empreendida por seus pais, Cornelius e Zira, e pode liderar sua raça num mundo humano acometido por pestes envolvendo animais domésticos e outras raças. Ou seja, uma montagem complexa e desenvolvida ao longo de muitos anos, num processo de constante, e inevitável, crescimento.

Aproveitar a fama de uma franquia histórica, distorcer seus conceitos e ceifa-la de sua originalidade justifica o sucesso comercial?

“Planeta dos Macacos: A Origem” ignora tudo isso, o contar uma história até mais paralela que a tentada por Tim Burton. Para tal, curiosamente, precisou de algumas ideias de outro filme com “macaco” no nome, afinal, ao pegar emprestado uma série de conceitos de “Os 12 Macacos”, de Terry Gilliam, o diretor Rupert Wyatt altera a essência da franquia e torna impossível a linha narrativa estabelecida pelos filmes de Charlton Heston.

Tudo isso por cansaço do estúdio com os conceitos relativamente datados da década de 70 ou alguma tendência maluca na Fox de achar que o público não se envolveria em algo mais social do que tecnológico? Impossível saber a resposta, entretanto o resultado do filme dá uma dica fundamental: só funciona por conta da tecnologia. Só funciona por causa da captura de performance. Só funciona por causa de Andy Serkis. Ele interpreta César, ele é a alma do filme, deixando James Franco de lado com facilidade absurda e nível de realismo impressionante.

A transformação de Andy Serkis no macaco César

Um dos elementos de mais orgulho para a equipe original de “Planeta dos Macacos” foi a criação das máscaras sintéticas para os atores, capazes de transmitir suas expressões através do látex. Trabalho hercúleo e bastante efetivo, permitindo maior conexão entre personagem e público. Tim Burton seguiu a mesma linha e transformou Tim Roth, Helena Bohan-Carter e Michael Clarke Duncan em símios aceitáveis, mas sofreu por ter aberto mão do elemento social e optado pela complicada rota dos mundos alternativos e da viagem no tempo. Exceto pela persona de César e sua jornada messiânica, “Planeta dos Macacos: A Origem” abandona os demais elementos e, inevitavelmente, é fruto de seu tempo, ao permitir que a tecnologia seja sua maior conquista.

Nessa história sobre pais e filhos, confiança e limites, e, acima de tudo, amadurecimento, a inversão de valores acontece rapidamente, afinal, é inevitável não torcer por César mesmo sabendo que, no fim das contas, ele vai causar a ruína da Humanidade. Pensando bem, não, pois quem leva a culpa somos nós em mais um ataque aos males da genética e da ganância corporativa. Aliás, esses elementos em si são bastante datados e já foram usados ao extremo. Bem, é aí que devemos pensar na primeira pergunta. Se tanta coisa mudou, por que buscar ligação com os filmes anteriores se eles serão, efetivamente, substituídos?

De fato, “Planeta dos Macacos: A Origem” poderia, ainda que de forma inconsciente, ser uma tentativa de se encaixar na nova tendência hollywoodiana de se fazer filmes dentro de um mesmo universo, mas sem tocar nos originais, assim como Ridley Scott vai fazer com “Prometheus” (no universo de “Alien”) e o novo “Blade Runner” (uma prequel do original concebido a partir de uma fala do Replicante de Hutger Hauer). Mas seu roteiro revisionista impede qualquer conexão e propõe um novo “Planeta dos Macacos”, em sua terceira encarnação.

E talvez isso não seja o suficiente, afinal, há perigos muito maiores apresentados pelo cinema do que uma eventual queda da Humanidade perante o levante símio. Nossa realidade foi questionada, nossos sonhos foram invadidos, nossos desejos manipulados e nosso futuro já foi assolado por zumbis, vampiros, alienígenas e catástrofes climáticas. Perante esse cenário, uma sociedade dominada por macacos fruto do medo nuclear não parece tão assustadora e, essencialmente, não é nada inovadora.

O filme em si é bem trabalhado em seus dois primeiros atos, constrói uma boa relação entre o núcleo familiar composto pelo novamente apático James Franco, John Lithgow subaproveitado, mas efetivo, e Andy Serkis, um cometa qualitativo na frente e atrás das câmeras (ele é diretor de segunda unidade em “O Hobbit”). E se perde totalmente no desfecho, ao acelerar a trama de forma desnecessária, enchendo a história de furos e clichês que havia evitado até então.

O que nos leva à segunda questão. Aproveitar a fama de uma franquia histórica, distorcer seus conceitos e ceifa-la de sua originalidade justifica o sucesso comercial? Numa Hollywood cada vez mais acovardada e desesperada por títulos certeiros em se tratando de grandes filmes, essa tem se mostrado a regra entre as aquisições e também responde pelo maior desserviço da última década do cinema, que pouco agregou à cultura e à discussão social. Se os filmes originais já destoavam da obra de Pierre Boulle por conta de impossibilidades tecnológicas da época, a descaracterização se faz completa agora e a integridade intelectual entra pelo cano ao ponto de se ponderar se o “inspirado na obra de…” deveria permanecer ali.

De certa forma, “Planeta dos Macacos: A Origem” é fruto de nossos tempos, de nossas dúvidas, nossos medos e da latente incompetência na maioria dos reboots recentes, especialmente os da Fox – que acertou em cheio com “X-Men: Primeira Classe”, mas errou grosseiramente com “Wolverine”. E, acima de tudo, a comprovação da crise criativa, capaz de transformar a grande vantagem de se poder conceitos pré-definidos e consagrados numa pedra no sapato de roteiristas incapazes de reinventar ou simplesmente atualizar sem recorrer ao clichê óbvio ou a conceitos alienígenas ao universo em questão.

Como diria Taylor:

“Damn you, damn you all to hell!”

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Certas ideias obsoletas pegam-nos de surpresa quando nos reaparecem pela frente como almas penadas, presas ao mundo material e apegadas a uma existência passada. Arregalam-nos os olhos tanto por seus curtos comprimentos quanto por sua resistência viral e anacronismo crônico. Ideias que ressurgiram há pouco, quando começamos a pré-produção de nosso primeiro curta-metragem de ficção, um suspense de humor negro. Foi falar que ia fazer um filme e alguns logo de cara já perguntaram:

“- Vai fazer em película, né?…”

Não, não vou.

E não vou por causa de fatores como acesso, praticidade, qualidade equivalente das câmeras digitais 4K, controle do workflow e pós-produção, independência de cartéis e custo, coisas que por si só mereceriam exposições à parte. Mas o que realmente interessa aqui é a natureza insidiosa que esconde-se por detrás da pergunta feita ali em cima. Sustentada por preconceitos e gerida por desinformação, conveniência e/ou medo de inovação (e de perda de poder), essa essência mascarada por pretensos zelo e tradição, revela o abismo do atraso, da falta de conhecimento e do entendimento equivocado sobre o que é cinema aqui por essas bandas. E em todas as esferas e esquinas.

Era 2004, e “Fábio Fabuloso”, premiado documentário para o qual tive o prazer de criar ilustrações e animar algumas sequências, estava sendo exibido para convidados algumas semanas antes de seu lançamento.

Após a sessão, um cineasta brasileiro consagrado*, aproxima-se de meu sócio, diretor do filme, e, do alto da autoridade de quem há muito produz longas-metragens caros que não cobrem metade dos próprios custos via bilheteria, desfia sua sabedoria:

“- Bom seu filme, Pedro, gostei… Mas, vamos ser francos, cinema é como pintura. Quando um sujeito quer fazer uma obra de verdade, com profundidade, ele vai pintar a óleo numa tela e não desenhar a lápis num papel. Isso aí é feito em vídeo digital. Cinema de verdade é película, não é mesmo?”

Não, não é.

Seis anos antes, “Festa de Família” (Festen. Dinamarca, 1998) surgiu como o que pode ser considerado o exemplo mais claro da cinematografia moderna a demonstrar na prática, plano a plano, que o cinema como expressão artística independe completamente da mídia em que foi produzida. O digno cineasta brasileiro consagrado não deve tê-lo assistido. Se o fez, não entendeu.

Primeiro longa-metragem do controverso (para os que caíam na pilha ou simplesmente não tinham assunto) movimento Dogma 95, “Festa de Família” foi todo filmado com uma câmera mini-DV (mais precisamente uma Sony Handycam DCR-PC7, uma das primeiras do mercado nesse formato) e iluminado apenas e somente com as luzes nativas das locações, lustres, velas e abajures**.

Fazer filmes é ler e escrever audiovisualmente suas ideias.

E a despeito de todo o marketing safadão envolvido no modus-operandi do movimento, o filme ganhou os prêmios e as telonas do mundo inteiro apenas sustentado por sua qualidade inquestionável como obra de arte cinematográfica. Texto, atuação, som e direção impecáveis. E a imagem digital? Bem, subversivamente, a fotografia é uma das atrações justo por sua textura granulada que transparece de modo agressivo o vídeo em que foi registrada, em perfeita integração com toda a proposta conceitual do filme. Todos os seus elementos constitutivos desenvolvem-se magistralmente, desempenhando fluidos seus papéis em prol da narrativa, comunicando perfeitamente seus conceitos, significados e sentimentos.

Ou seja, ele foi criado utilizando da melhor forma o seu sistema de códigos e signos com o qual todo e qualquer meio de comunicação é construído: a linguagem. E em cinema esses signos são formados tanto por estímulos naturalmente cognitivos, visuais e sonoros, quanto pelas convenções estabelecidas de acordo com suas particularidades estruturais como meio de comunicação. Tudo acessível e de alcance praticamente universal.

Planos, cenas e sequências funcionam respectivamente quase como frases, parágrafos e capítulos de um texto literário. Aliás, na essência, mesmo contando as exceções de estilos cinematográficos que sejam derivados de improviso ou cinema vérité, o cinema mantém uma relação prática e direta com o texto, através de roteiro, primeira forma de registro e guia de sua própria existência. Cinema e literatura são basicamente desenvolvimento de narrativas e expressão de ideias. E assim como o significado e a cognição de um texto independe completamente do fato de ele estar impresso em um livro de capa dura, nas páginas de uma revista, jornal ou em um portal no monitor, em um blog na tela de um tablet ou de celular, não só o conceito, mas a própria mecânica da cinematografia se dão não em onde ela se exprime, mas sim em o que e como ela se expressa.

Fazer filmes (e comerciais, TV, videoclipes, institucionais, motivacionais, etc.) é ler e escrever audiovisualmente suas ideias. Fazer isso bem é entender esta gramática e saber compor nesta grafia.

Então, na próxima vez em que venha a encontrar-se diante do discurso primário e aparvalhado de um desavisado que condiciona cinematografia à mídia, você…

*Cineasta brasileiro consagrado: qualquer um que venha conseguindo verbas desde os tempos da Embrafilme para fazer filmes umbigo-referenciais que poucos veem e desses, poucos gostam.

**Nunca antes na vida havia escrito o plural de abajur.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Ontem eu publiquei aqui um supercut com pedidos de silêncio em filmes. Ninguém deu muita bola, então vou tentar novamente com esse outro que entrou hoje no YouTube.

Filmes em que os personagens falam o nome do filme. A edição é do honsco.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Uma super edição com 172 filmes e pedidos/gritos de silêncio. Se você clicar no CC (Closed Captions) do YouTube, poderá ver a qual filme a cena pertence.

Do mesmo cara que fez “Don Draper Says ‘What?’”

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Uma ação bacana e barata para promover o filme “Lanterna Verde”, colocou LED nos aros de bicicletas. Os grupos de ciclistas rodaram por São Paulo e Rio de Janeiro.

O filme estreou no Brasil na última sexta, e apesar de ter sido espinafrado mundo afora, o Yabu gostou.

A criação da ação é da Lorem.nu e da Mistika.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

A intenção desse vídeo nem é o desafio colocado no título desse post, mas também vale para se divertir.

Dica da @anninhamaron

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

No YouTube, a popular série HISHE (How It Should Have Ended) atende a um dos maiores pedidos nas últimas semanas: reimaginar o final de “Harry Potter”.

Eu prefiro esse do que o original, pelo menos o personagem mais legal da série não morre.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Mesmo odiando o famoso ímpeto dos parisienses (que pisoteia a cabeça de muitos turistas) ou mesmo não vendo (como a maior parte das pessoas) Paris como a coisa mais linda do planeta, devo admitir – gostando ou não – que quando falamos da cidade-luz algumas coisas não podem ser questionadas: as ruas são realmente exemplares na harmonia entre a arquitetura e o urbanismo; o Metrô é incomparável; a Eiffel é #altapracacete; e o amor francês pelo cinema é inspirador, único e visível em todas as esquinas da capital do croissant.

Só focados na exibição de filmes independentes, a cidade possui 150 salas de cinema.

Paris tem o maior número de salas de cinema por habitante do mundo. E diferente do Brasil, que passa um mesmo filme em 70% das telonas, lá eles também se distinguem pela variedade: são cerca de 450 à 500 títulos diferentes, por semana.

A cidade também foi de palco de incontáveis filmes franceses e internacionais, como “Todos Dizem Eu Te Amo” do Woody Allen, “Moulin Rouge” (também conhecido com o filme mais chato da humanidade), “O Código Da Vinci” e até mesmo “Ratatouille”, da Pixar.

E como se não bastasse esse cenário cinematográfico, a quantidade de salas de cinema e a paixão dos franceses, eles ainda contam com 55 bibliotecas municipais, com empréstimo de livros, revistas, documentos, fotografias, quadrinhos, partituras, brochuras, mapas, discos, DVDs e fitas de vídeo relacionadas a cultura e história da cidade. Sem falar na moderníssima Bibliothèque de Cinéma François Truffaut, que oferece uma importante documentação sobre o cinema para toda a população.

Se você quer começar a se deliciar com um pouco do que eles conseguem produzir nesse universo, recomendo o engraçadíssimo “Zazie dans le Métro” de 1960, que é fácil de encontrar, bom pra se divertir e inspirador para os apaixonados por este lugar. Uma cena em particular faz o queixo cair no chão, pois além do talento, rolou coragem pra atuar EM CIMA do elevador em movimento, e… enfim, saca só:

De qualquer forma uma coisa é indiscutível: nem Woody Allen no melhor dos seus dias consegue ser mais gênio do que os doces da La Pâtisserie des Rêves. Portanto, se você vai (ou pretende ir) pra Paris, já sabe… pipoca é um ótimo acompanhamento para cineminha aqui no Tupiniquim, mas por lá o papo é outro. Aproveite!

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

Vez por outra, o cinema tem seus momentos de avanço narrativo e tecnológico, entretanto, na maioria dos casos, o circuito comercial retrata infindáveis ondas cíclicas e temáticas. Trata-se de um mecanismo interno de auto-preservação e renovação embutido em Hollywood, afinal, platéias se renovam e expor novos públicos a grandes clássicos – em sua forma original – ou as experiências a eles agregadas, não é das tarefas mais simples; mera questão da diferenciação entre gerações.

A Era dos grandes criadores – Kurosawa, Fellini, Hitchcock, Ford e o pessoal da Nouvelle Vague – ficou para trás e, essencialmente, vivemos a segunda geração dos grandes intérpretes, sujeitos capazes de recriar sensações, redefinir histórias e agregar paixão à mais simples das histórias, especialmente para quem ama o ato de fazer filmes. “Super 8″, dirigido por J.J. Abrams, é um desses filmes.

Começando pelo título metalinguístico, “Super 8″ reconstrói uma época fundamental para o cinema moderno, afinal, o final da década de 70 foi responsável pela formação conceitual da elite hollywoodiana atual.

Steven Spielberg, George Lucas, Francis Ford Coppola e Martin Scorsese atuavam com força máxima e suas ideias se difundiram rapidamente e se tornaram referência cultural. J.J. Abrams era um dos garotos deslumbrados pelos alienígenas, naves estelares, grandes sagas e personagens marcantes do período, características trabalhadas em sua carreira – especialmente no gênero da ficção científica – e inseridas com efetividade em seu novo filme.

J.J. Abrams comanda o elenco mirim no set de Super 8

Toda essa amalgama está presente em “Super 8″ [filme de 8mm da Kodak e também câmera caseira vastamente usada pelas famílias norte-americanas entre as décadas de 60-80], que funciona, ao mesmo, como homenagem aos ídolos e declaração de princípios de J.J. Abrams. Impossível não pensar no nome de Steven Spielberg (produtor executivo do filme), a quem “Super 8″ reverencia abertamente; mas o faz pelos olhos sonhadores do garoto J.J., presente em cada um dos integrantes do jovem, e fenomenal, elenco. Embora toda ação do longa-metragem ocorra por conta de um alienígena à solta numa cidadezinha no meio do nada, seu ponto alto está numa cena simples e poderosíssima envolvendo a garotada. E não há nada de “Goonies”; mesmo!

[SPOILER] Apaixonados pelo cinema e dispostos a fazer um filme cheio de “valor agregado de produção”, os personagens decidem realizar uma das cenas de “The Case” [que já nasce como item obrigatório para todo fã do gênero] na plataforma de trem, exatamente na hora que o expresso noturno passar e aproveitar a passagem dos vagões para deixar tudo mais bonito. A ideia é ótima e, bem, é 1979 e eles não estão em Los Angeles, ninguém perseguiria a molecada por tentar filmar sem autorização.

Antes de armar a câmera, as luzes, o som, os efeitos especiais, o figurino e maquiagem, o diretor resolve fazer um ensaio para ver se a personagem de Elle Fanning sabe atuar com o roteiro recém-reescrito. Quando ele diz ação, J.J. brinca de espectador com a câmera na mão e arrebenta na execução de seu roteiro. Difícil decidir se a interpretação de Elle surpreende mais que a cara de bobo dos moleques. Não satisfeito com o esmero da simplicidade dessa cena, ele logo emenda com um descarrilamento catastrófico. [/FIM DO SPOILER]

O alienígena de “Super 8″ funciona como catalisador para as dinâmicas sociais existentes entre os humanos.

Embora não seja uma história autobiográfica, ela reflete um espírito empreendedor comum naquele período, algo compartilhado por todo garoto apaixonado pelos filmes e que pode pegar a câmera do pai ou de algum tio gente boa para fazer suas pequenas obras de arte que o mundo nunca veria. A homenagem à ficção científica acontece por duas razões: história condizente com a época, e as paranóias inerentes a ela; desejo declarado do diretor por criar monstros assumidamente norte-americanos.

“‘Cloverfield’ foi o primeiro passo e não necessariamente criou uma tendência, mas cumpriu seu papel: mostrar que era possível fazer algo daquele escopo com apenas US$ 20 milhões”, diz J.J. Abrams em entrevista exclusiva ao nosso correspondente. Inevitavelmente, “Super 8″ tem seu monstrinho que, visualmente, se encaixa no mesmo estilo do Slusho e também nos ETs ladrões de ouro de “Cowboys & Aliens”, de Jon Favreau. É a escola americana respondendo aos insetóides dos sul-africanos e ingleses [os diretores de "Distrito 9" e "Battle: LA" vem de lá; fique de olho no inglês "Attack The Block"].

O alienígena de “Super 8″ funciona como catalisador para as dinâmicas sociais existentes entre os humanos. Duas famílias em conflito – numa plataforma criada de forma fantástica na sequência inicial, que logo alerta se tratar de um drama, não de um mero filme de gênero -, relações entre pais e filhos, amizades colocadas à prova e, claro, amor.

“Falei com Spielberg sobre isso e ele me lembrou de algo muito importante, não inventou essas dinâmicas, muito menos teorias da conspiração com alienígenas, elas já estavam por ali. O que ele fez foi nos apresentar a elas de forma mais palatável e, por que não, romântica. A vida lá fora poderia ser chata e cheia de obrigatoriedades, mas quando eu entrava no cinema para ver um dos filmes dele, tudo mudava. Aquele mundo ali fazia sentido!”, lembra, orgulhoso, J.J., enquanto discutíamos novas tecnologias, entre ela, o iPhone 4 e seus usos para o cinema. A entrevista completa será publicada em breve aqui no B9, fique atento.

“Acho divertido alguns críticos ficarem procurando referências para transformar em pontos negativos; ‘ah, ele copiou isso e aquilo outro’, mas um ano depois, eles vêem outros filmes e dizem que todo mundo copiou o que a gente fez, aí passo a ser referência e ganho valor do jeito errado. Vai entender”.

Toda essa inspiração faz sentido dentro dos ciclos hollywoodianos, pois, do mesmo modo como Spielberg influenciou Abrams, nos próximos dez anos, novos cineastas vão sentir as mesmas necessidades narrativas.

Entretanto, nenhum deles será capaz de replicar uma Era que não viveram e esse é o grande trunfo de Super 8, ser um testamento a um estilo de vida inexistente, com dificuldades patéticas se comparadas à tecnologia atual e, acima de tudo, com o amor pelo cinema acima de tudo. Afinal, sem o advento do vídeo online, fazer filmes em película era pura paixão, não busca pela fama instantânea.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie

O holandês Kees van Dijkhuizen já lançou diversos vídeos de sua série “[the films of]“, que fazem uma retrospectiva do portfolio de diversos diretores de cinema.

Já teve Michel Gondry, Sofia Copolla, Wes Anderson, David Fincher, Danny Boyle e Baz Luhrmann.

Agora, o novo vídeo da série, resume os trabalhos de um dos estúdios mais criativos da atualidade – e que tanto já cansamos de babar o ovo por aqui – a Pixar.

Você pode aproveitar o tema e rever o nosso papo com John Lasseter.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
Twitter | Facebook | Contato | Anuncie